Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo – Kemenangan Tokugawa Ieyasu dan penyatuan teritorial membuka jalan menuju pemerintahan baru yang kuat. Keshogunan Tokugawa akan memerintah selama lebih dari 250 tahun periode yang relatif damai dan kemakmuran yang meningkat. Budaya urban yang dinamis berkembang di kota Edo (sekarang Tokyo) serta di Kyoto dan di tempat lain. 

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Pengrajin dan pedagang menjadi produsen dan konsumen penting dari bentuk-bentuk baru budaya visual dan material. Sering disebut sebagai era “modern awal” Jepang, periode Edo yang berumur panjang dibagi menjadi beberapa sub-periode, yang pertama adalah era Kan’ei dan Genroku, yang mencakup periode dari tahun 1620-an hingga awal 1700-an. idn poker

Selama era Kan’ei, aliran seni lukis Kanō, yang didirikan pada periode Muromachi, berkembang di bawah kepemimpinan tiga pelukis yang paling khas: Kanō Tan’yū, Kanō Sanraku, dan Kanō Sansetsu. Gaya mereka ditiru dan berangkat dari lukisan hebat Kanō Eitoku (dibahas di bagian periode Momoyama). Tan’yū adalah cucu Eitoku, Sanraku adalah putra angkatnya, dan Sansetsu adalah menantu Sanraku (yang akhirnya diadopsi oleh Sanraku sebagai pewaris).

Tan’yū, khususnya, mempelopori gerakan konservatif ini. Kepindahannya ke Edo sebagai pelukis shōgun Tokugawa menandai pemutusan hubungan dengan pelukis Kanō yang berbasis di Kyoto (termasuk Sanraku dan Sansetsu), yang tercermin dalam risalah kontemporer yang berpendapat tentang masalah hierarki dan legitimasi di sekolah.

Seorang seniman serba bisa yang mendalami tradisi Tiongkok, Tan’y adalah penikmat dan kolektor lukisan Tiongkok. Menggambar pada kosakata visual terpelajarnya, Tan’y melukis lanskap puitis dengan tinta monokrom, biasanya menggugah subjek klasik, dan lukisan polikrom dalam gaya Jepang, mengakomodasi komisi skala besar untuk pengaturan megah. Sebagai penghargaan atas karyanya, ia dianugerahi, pada usia 61, gelar kehormatan Hōin (“Segel Hukum Buddhis”).

Era Kan’ei dan Genroku menyaksikan perkembangan besar di media lain, yaitu porselen. Pelopor porselen Jepang adalah pembuat tembikar Korea yang dibawa ke Jepang setelah serangan Toyotomi Hideyoshi ke Korea selama periode Momoyama. 

Para pembuat tembikar ini menetap di Kyushu dan membuka jalan bagi salah satu pusat porselen paling inovatif dan produktif di dunia. Arita, Imari, Kakiemon sekarang menjadi nama yang populer, sebagian karena ekspor barang-barang tersebut pada abad ke-17 dari Kyushu Utara melalui Perusahaan Hindia Timur Belanda.

Perusahaan perdagangan internasional ini telah memberikan kontribusi yang signifikan terhadap daya tarik global porselen China, terutama biru dan putih variasi. Terlepas dari kebijakan isolasi diri Tokugawa, pengecualian mengizinkan beberapa agen China dan Belanda untuk melanjutkan perdagangan internasional, dikombinasikan dengan gejolak politik di China yang disebabkan oleh jatuhnya dinasti Ming, menciptakan konteks yang optimal bagi Belanda untuk menggantikan warna biru China.

Barang ekspor Jepang, sering disebut sebagai barang Imari, meniru porselen biru-putih China dan mencerminkan selera Barat yang dilayaninya. Di antara kiln porselen yang berbeda di Kyushu utara, peralatan Nabeshima tidak untuk ekspor tetapi diproduksi secara eksklusif untuk pasar domestik. 

Penguasa Nabeshima, yang telah membawa para pembuat tembikar Korea ke wilayahnya, merangkul produksi lokal yang berkembang pada abad ke-17 dan melindungi tempat pembakaran khusus yang porselennya ia tawarkan sebagai hadiah strategis kepada shogun dan penguasa feodal lainnya. 

Dengan proses produksi yang dirahasiakan, porselen Nabeshima dapat dibedakan dari permukaannya yang indah, dihiasi dengan motif halus yang digambar bukan dari sumber China atau Eropa, tetapi dari perbendaharaan visual tradisional Jepang.

Dengan permukaannya yang halus dan bentuknya yang jelas, porselen sangat berbeda dari periuk yang diproduksi di pusat keramik lain di Jepang, seperti peralatan Oribe untuk ritual minum teh (dijelaskan di bagian periode Momoyama). Selama periode Edo, upacara minum the chanoyu dan sencha, jenis ritual yang berbeda untuk persiapan dan menikmati teh daun yang direndam terus berkembang. 

Sencha, khususnya, merupakan bagian integral dari budaya literati. Sastrawan Jepang atau bunjin mencontoh diri mereka pada sarjana-filsuf China yang berpengalaman dalam melukis, kaligrafi, dan menulis puisi. 

Sebagai sarjana dengan pengejaran artistik, bunjin bukanlah pelukis profesional, tetapi menggunakan lukisan terutama rendering spontan lanskap, puisi, dan motif tradisional China dan Jepang dalam pencucian tinta sebagai cara untuk mengekspresikan energi batin dari roh yang dibudidayakan yang berusaha mencapai keunggulan dengan melepaskan diri dari masyarakat dan bahkan menentang norma-norma sosial. 

Model pengasingan ini terutama dianut dalam periode kerusuhan politik, yang pasti terjadi di Jepang pada akhir abad ke-16 selama gejolak yang menjadi ciri Momoyama, rentang 40 tahun yang mengarah ke periode Edo. 

Lambat laun, praktik sastrawan mengembangkan ketegangan inti antara pemberontak dan yang sangat individualistis, di satu sisi, dan ritualistik dan normatif, di sisi lain, karena tradisi dan garis keturunan mulai menjadi lebih kaku dari waktu ke waktu.

Bunjinga, secara harfiah dapat diterjemahkan sebagai “lukisan sastra”, mengacu pada lukisan yang dipraktikkan oleh orang-orang terpelajar ini. Lukisan sastrawan sering menyatukan referensi tema klasik Tiongkok dan sumber sastra lokal dan kontemporer, terutama puisi, yang sering ditulis oleh pelukis itu sendiri.

Abad ke-18 haikai-no-rengapenyair Yosa Buson juga seorang pelukis ulung dan, dalam semangat kolaboratif haikai-no-renga, menulis bersama, dengan Ike no Taiga, sepasang album dengan tema China dari “sepuluh kenyamanan” dan “sepuluh kesenangan” dari kehidupan, menggabungkan penggambaran alam yang ideal (kebanyakan oleh Buson) dengan penafsiran anekdotal tentang aktivitas manusia (kebanyakan oleh Taiga).

Kolaborasi antara Buson dan Taiga bersifat kolegial dan kompetitif, mengingatkan pada tradisi puisi dan kontes gambar Jepang berusia berabad-abad yang memamerkan bakat dan keterampilan.

Sebuah foil untuk pendekatan Buson dan Taiga untuk melukis adalah pencarian baru akan realisme pelukis Maruyama Okyo. Penampilan naturalistiknya tentang burung dan hewan, sosok manusia, dan lanskap kontras dengan mode sastrawan dengan berfokus pada rejimen representasi visual yang rasional, didasarkan pada pengamatan dunia alami. Terlatih dalam teknik bayangan Eropa dan perspektif satu titik, Okyo tetap menciptakan sintesis naturalisme yang terinspirasi barat dan teknik, gaya, dan materi pelajaran tradisional Jepang. 

Mode lukisan Okyo ditransmisikan melalui sekolah Maruyama-Shijō, yang pertama kali didirikan Okyo sebagai sekolah Maruyama. Dilanjutkan oleh Matsumura Goshun (yang studionya berada di jalan Shijō di Kyoto), seorang pelukis yang pertama kali belajar dengan Buson dan kemudian beralih ke Okyo. 

Kedua aliran yang terkait erat ini telah disebut sebagai satu kesatuan sejak akhir zaman Edo, ketika perbedaan antara keduanya telah memudar. Salah satu pelukis paling terkenal dalam garis keturunan Goshun adalah Shibata Zeshin, murid salah satu murid Goshun, dan seorang pelukis dan seniman pernis yang inovatif.

Pelukis yang bekerja di luar sekolah mapan seperti Tosa dan Kanō menyimpang dari mode melukis yang mapan ke berbagai tingkat. Mereka yang gayanya sangat tidak konvensional baru-baru ini dievaluasi ulang sebagai membentuk “garis keturunan eksentrik” oleh sejarawan seni Jepang Tsuji Nobuo.

Termasuk dalam “garis keturunan” ini adalah Iwasa Matabei, Kano Sansetsu, Ito Jakuchu, Soga Shohaku, Nagasawa Rosetsu dan Utagawa Kuniyoshi masing-masing memiliki lintasan tersendiri dalam proses pendewasaannya sebagai seniman visual. Apa yang mereka bagikan adalah pendekatan yang sangat pribadi untuk melukis, sering kali ditandai dengan teknik yang tidak biasa dan materi pelajaran yang tidak biasa.

Di Lions di Stone Bridge di Mt. Tiantai, Soga Shōhaku memilih tema Buddhis yang jarang digambarkan dan membayangkannya dengan cara baru, menambahkan dimensi aneh padanya. Dalam Birds, Animals, and Flowering Plants in Imaginary Scene, Itō Jakuchū dengan susah payah melukis tidak kurang dari 43.000 kotak berwarna untuk menciptakan komposisi seperti mosaik yang fantastis.

Selama periode Edo, budaya urban yang ramai berkembang. Pedagang, pengrajin, dan penghibur membantu membentuk selera budaya dan seni melalui produk dan program mereka. Pesta kolaboratif terkait-syair dan bentuk hiburan baru seperti teater kabuki menjadi pokok gaya hidup perkotaan.

Pariwisata juga semakin populer saat para pelancong berziarah ke kuil, kuil, dan situs terkenal (meisho名所), yang sering dikaitkan dengan puisi klasik dan dongeng tradisional. Semua praktik budaya ini tercermin dalam lukisan dan cetakan populer yang dikenal secara kolektif sebagai ukiyo-e浮世絵.

Secara harfiah “gambar dunia terapung,” ukiyo-e dapat didefinisikan sebagailukisan bergenreuntuk dan tentang “orang biasa” (shōmin庶民) anggota kelas menengah masyarakat Jepang periode Edo.

Terlatih dalam bisnis tekstil keluarganya, pelukis abad ke-17 Hishikawa Moronobu adalah master ukiyo-e paling awal. Dia fokus pada gambar wanita cantik (bijin) dan bekerja baik dalam lukisan dan pencetakan balok kayu.

Penggambarannya tentang wanita dan kekasih di tempat hiburan Edo sangat memengaruhi pelukis dan desainer cetak ukiyo-e berikutnya, terutama Miyagawa Chōshun. Awalnya dididik di sekolah Tosa, Chōshun menandatangani karyanya dengan menambahkan “yamato-e” ke namanya sebuah praktik yang menunjukkan bahwa pada masa-masa awalnya, ukiyo-e dianggap sebagai penerusyamato-e gaya.

Sezaman dengan ukiyo-e Master Hishikawa Moronobu adalah pelukis Iwasa Matabei, yang, seperti Moronobu dan para pengikutnya, melihat dirinya sebagai pewaris yamato-e dan tradisi Tosa-sekolah. Mengingat gaya lukisan anekdot dan kesetiaannya pada subjek dan teknik melukis Jepang, Matabei sering dianggap sebagai tokoh pendiri ukiyo-e bersama dengan Moronobu. Matabei mendapat inspirasi untuk lukisannya dari sastra klasik Jepang seperti Tale of Genji.

Namun, dalam semangat ukiyo-e, lukisannya diresapi dengan rasa kehidupan sehari-hari dan pengalaman pribadi. Dimensi seni yang sangat pribadi membuat orang lain menganggap Matabei sebagai salah satu “eksentrik” (digunakan di sini dalam pengertian yang dijelaskan sebelumnya dalam kaitannya dengan Shōhaku dan Jakuch, dan selaras dengan definisi sejarawan seni Tsuji Nobuo). Apakah Tosa, ukiyo-e, atau eksentrik, Matabei memutuskan tradisi dengan berfokus pada pengalaman kontemporer dan aspek kehidupan sehari-hari.

Seringkali, tema-tema ini secara main-main terjalin dengan materi pelajaran klasik, menghasilkan simile visual, yang kadang-kadang parodi, yang dikenal sebagai mitate. Realitas masa kini ditumpangkan di atas tema klasik atau mitis masa lalu.

Praktik ini berkisar pada lukisan periode Edo dari penekanan pada hal-hal biasa dan anekdot, seperti yang terlihat dalam komposisi Matabei, hingga penggambaran tokoh-tokoh kontemporer (seperti wanita cantik dan aktor kabuki) dalam kedok tokoh legendaris atau sejarah seperti penyair dan pejuang, seperti yang terlihat kemudian dalam karya seniman ukiyo-e abad ke-18 dan ke-19 seperti Andō (Utagawa) Hiroshige dan Utagawa Kunisada.

Gambar Ukiyo-e tersedia dalam berbagai format, mulai dari lukisan dansurimonountuk buku bergambar (ehon画本) dan cetakan balok kayu lepas, sering disusun dalam seri (misalnya tiga puluh enam pemandangan Gunung Fuji, tujuh episode dalam kehidupan penyair wanita abad ke-9 Ono no Komachi.

Salah satu ukiyo-e paling terkenalmaster dan lambang seni Jepang di dunia barat, Katsushika Hokusai (1760-1849) tidak hanya merancang seri cetak balok kayu dan buku bergambar, tetapi juga menulis banyak lukisan. Memimpin hidup hemat dan tinggal di tempat tinggal yang tidak terawat, Hokusai sangat produktif selama hidupnya yang panjang, mengadopsi berbagai moniker dan dengan hati-hati mengencani karya-karyanya dengan menunjukkan berapa umurnya ketika dia melukisnya.

Hokusai memang terkenal karena keahlian menggambarnya yang luar biasa dan imajinasinya yang luar biasa, ditambah dengan pemahaman yang baik tentang kehidupan dan budaya Jepang, baik klasik maupun kontemporer. Seperti pelukis zaman Edo lainnya, ia sering menyisipkan dirinya dalam karyanya sendiri melalui potret diri semu dan refleksi tentang ketidakkekalan dan usia tua.

Periode Edo melihat sirkulasi intensif kosakata visual dan prinsip-prinsip estetika antara medium (lukisan, keramik, pernis, dan tekstil sering berbagi motif yang sama) dan melintasi daftar budaya yang berbeda dari desain ke budaya populer hingga nostalgia untuk masa pra-modern yang romantis.

Persimpangan ini lebih lanjut dimungkinkan oleh kolaborasi antara seniman dari spesialisasi yang berbeda. Salah satu yang paling penting dari kolaborasi ini adalah antara pelukis abad ke-17 Tawaraya Sōtatsu yang berbasis di Kyoto dan ahli kaligrafi dan keramik Hon’ami Kōetsu.

Latihan gabungan mereka memerlukan estetika elegan yang menekankan referensi budaya tradisional yang dibagikan di seluruh lukisan, puisi, kaligrafi, pernis, keramik, dan ritual minum teh.

Bersama dengan pembuat tembikar Nonomura Ninsei, Kōetsu termasuk orang pertama yang menandatangani tembikar mereka di Jepang. Dia akan membentuk mangkuk tehnya, lalu mengirimnya ke bengkel peralatan Raku untuk membuat mangkuk itu diglasir dan dibakar.

Kōetsu bekerja di berbagai media dan kolaborasinya dengan pelukis dan pembuat tembikar berkontribusi pada budaya visual yang lebih terpadu. Seperti halnya seni Jepang selama berabad-abad, garis keturunan memainkan peran penting dalam kelangsungan hidup dan transformasi program estetika Sōtatsu dan Kōetsu.

Gaya terjalin dari dua seniman abad ke-17 ini ditiru dan dikonsolidasikan oleh seniman awal abad ke-18 Ogata Kōrin dan saudaranya Ogata Kenzan, yang menjadi pemimpin sekolah dengan hak mereka sendiri.

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Hubungan keluarga menggandakan silsilah gaya ini: Kōrin dan nenek buyut Kenzan adalah kakak perempuan Kōetsu. Dan kedua bersaudara itu kadang-kadang berkolaborasi. Kōrin berspesialisasi dalam lukisan, sementara Kenzan menjadi salah satu nama paling berpengaruh di keramik daerah Kyoto.

Generasi pembuat tembikar kemudian meniru dan bahkan meniru gaya Kenzan, sementara Kōrin memberikan namanya ke sekolah baru, Rinpa (“Rin” dari “Kōrin” + “pa/ ha”, yang berarti “sekolah”), yang menelusuri estetikanya asal usul model Kōrin dan Kenzan, yaitu Sōtatsu dan Kōetsu.

Desain halus dan cerdik seniman Rinpa didasarkan pada tema dan motif tradisional, dan diberikan dalam warna emas, perak, dan berani. Mereka bekerja di berbagai media dan genre mulai dari lukisan hingga pernis dan dari episode diKisah Genji hingga penggambaran empat musim.