Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan – Kata Jepang ” hikikomori ” diterjemahkan menjadi “menarik ke dalam”. Istilah ini diciptakan pada tahun 1998 oleh psikiater Jepang Profesor Tamaki Saito untuk menggambarkan fenomena sosial yang berkembang di kalangan anak muda yang, merasakan tekanan ekstrim untuk berhasil di sekolah, pekerjaan dan kehidupan sosial mereka dan takut gagal, memutuskan untuk menarik diri dari masyarakat.

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Pada saat itu, diperkirakan sekitar satu juta orang memilih untuk tidak meninggalkan rumah mereka atau berinteraksi dengan orang lain setidaknya selama enam bulan, beberapa selama bertahun-tahun. Sekarang diperkirakan sekitar 1,2% dari populasi Jepang adalah hikikomori. bandar ceme

Ketika tren ini diidentifikasi pada pertengahan 90-an, itu digunakan untuk menggambarkan pertapa laki-laki muda. Namun, penelitian menunjukkan bahwa ada peningkatan jumlah hikikomori paruh baya. Selain itu, banyak hikikomori perempuan tidak diakui karena perempuan diharapkan untuk mengambil peran domestik dan penarikan mereka dari masyarakat dapat diabaikan.

Peneliti manga Jepang Ulrich Heinze dan Penelope Thomas menjelaskan bahwa, dalam beberapa tahun terakhir, telah terjadi perubahan halus dalam cara orang memahami fenomena hikikomori. Pergeseran ini dimanifestasikan melalui peningkatan kesadaran akan kompleksitas pengalaman hikikomori dalam media arus utama dan pengakuan terhadap tekanan sosial yang dapat menyebabkan penarikan sosial. Mereka menyarankan bahwa penolakan untuk menyesuaikan diri dengan “norma” sosial (seperti kemajuan karir, pernikahan dan menjadi orang tua) dapat dipahami sebagai tindakan radikal dari introversi dan penemuan diri.

Sejalan dengan perubahan citra ini, beberapa hikikomori memiliki kehidupan kreatif yang kaya dan ini dapat menopang hubungan manusia yang vital. Banyak orang sekarang hidup dalam isolasi wajib karena COVID-19. 

Meskipun ini tidak sama dengan menjadi hikikomori, kita dapat belajar dari berbagai cara yang berbeda di mana orang-orang ini telah menavigasi, atau masih menavigasi melalui, pengalaman isolasi.

Bekas Luka Yang Indah

Mantan artis hikikomori Atsushi Watanabe menjelaskan bahwa isolasi tiga tahunnya dimulai melalui “beberapa tahap penarikan dari hubungan manusia, yang mengakibatkan perasaan terisolasi sepenuhnya”. Pada satu titik, dia tetap di tempat tidur selama lebih dari tujuh bulan. Baru setelah dia mulai melihat dampak negatif penarikannya terhadap ibunya, dia dapat meninggalkan kamarnya dan terhubung kembali dengan dunia.

Ceritakan bekas luka emosional Anda adalah proyek kreatif berkelanjutan dari Watanabe. Dalam proyek ini, orang dapat mengirimkan pesan anonim di situs web, berbagi pengalaman rasa sakit emosional. Watanabe menerjemahkan pesan-pesan tersebut ke dalam lempengan beton, yang kemudian dia pecahkan dan disatukan kembali menggunakan seni kintsugi tradisional Jepang.

Kinstugi melibatkan penyambungan pecahan keramik menggunakan pernis yang dicampur dengan bubuk emas. Ini juga merupakan filosofi yang menekankan seni ketahanan. Kehancuran bukanlah akhir dari suatu objek atau sesuatu yang disembunyikan, tetapi suatu hal yang harus dirayakan sebagai bagian dari sejarah objek tersebut.

Beritahu saya bekas luka emosional Anda dapat dipahami sebagai sublimasi dari rasa sakit emosional ini menyampaikan perasaan negatif dan asosial melalui proses yang dapat diterima secara sosial, positif dan indah. Karya-karya ini merupakan bukti penderitaan, tetapi karya yang merayakan kemungkinan penyembuhan dan transformasi.

Bagi Watanabe, menjadi hikikomori seringkali merupakan manifestasi dari luka emosional, dan dia ingin menciptakan cara alternatif untuk memahami pengalaman masa lalu yang belum terselesaikan. Watanabe meminta kita untuk “mendengarkan suara gemetar yang biasanya tidak terdengar”. Mendengarkan, dan berbagi pengalaman kesulitan dan bahkan rasa sakit adalah salah satu cara untuk mengatasi meningkatnya kesepian yang diakibatkan oleh pandemi COVID-19.

Berjuang Untuk Privasi

Artis Nito Souji menjadi seorang hikikomori karena dia ingin menghabiskan waktunya melakukan “hanya hal-hal yang bermanfaat”. Souji telah menghabiskan sepuluh tahun dalam isolasi mengembangkan praktik kreatifnya, yang mengarah ke video game yang mengeksplorasi pengalaman hikikomori.

Trailer untuk video game Pull Stay dibuka dengan adegan di mana tiga orang masuk ke rumah seorang hikikomori. Pemain harus melawan penyusup sebagai alter-ego robot hikikomori dengan, misalnya, menggorengnya dalam adonan tempura atau menembakkan melon air ke arah mereka.

Tujuan dari Pull Stay adalah untuk melindungi rumah dan pengasingan karakter hikikomori. Dengan melakukan itu, pemain mulai mewujudkan kebutuhan mendalam akan privasi. Pull Stay adalah bukti hasil kreatif yang bisa dating dari mengukir rasa “ruang kepala” yang mendalam. Souji menjelaskan proses kreatifnya sebagai, “memiliki harapan dan membuat sedikit kemajuan setiap hari.”

Meskipun memilih untuk menarik diri dari masyarakat, mempertahankan harapan dan koneksi tidak langsung melalui praktik kreatif telah membantu seniman seperti Souji menggunakan waktu ini untuk pengembangan diri. Tujuannya adalah, dan selalu, untuk dapat masuk kembali ke masyarakat, tetapi dengan caranya sendiri.

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Terkenal pengusaha Jepang Kazumi Ieiri, dirinya pertapa pulih yang menjadikan para hikikomori pengalaman sebagai “situasi di mana simpul adalah mengikat antara Anda dan masyarakat.” Namun lanjutnya, tidak perlu terburu-buru untuk mengikat kembali ikatan social, melainkan “mengikat simpul-simpul kecil, sedikit demi sedikit.”

Proses kembali ke “kehidupan normal” mungkin bertahap bagi banyak dari kita, tetapi ekspresi kreatif bisa menjadi cara yang ampuh untuk berbagi pengalaman isolasi dan terhubung kembali dengan orang lain di dalam dan di luar penguncian.…

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang – Berjudul “Vortex,” lukisan seniman Jepang Miwako Sakauchi menunjukkan ‘kemarahan, ketakutan, rasa kontradiksi dan kekerasan negara’ atas penduduk yang digusur dan pohon-pohon yang ditebang sehingga stadion Olimpiade yang sangat besar dapat dibangun.

Seniman Jepang Miwako Sakauchi berbicara tentang karya seninya untuk Pameran Seni “Deklarasi akhir pertandingan Olimpiade” di Chiba dekat Tokyo Kamis, 10 Juni 2021. Jajak pendapat menemukan bahwa mayoritas orang Jepang skeptis terhadap Olimpiade Tokyo yang diadakan ini musim panas selama pandemi, tetapi hanya sedikit yang secara terbuka berbaris untuk memprotes. Tetapi ada proyek kreatif yang ingin memprotes Olimpiade Tokyo yang semakin tidak populer, bahkan ketika pihak berwenang berusaha untuk menutupnya. poker idn

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Miwako Sakauchi berdiri di studionya dan menyikat putaran yang berputar di atas karton robek dan kertas gambar, menggunakan lima warna yang ditetapkan sebagai simbol Olimpiade modern.

“Saya tidak bisa menganggapnya sebagai festival perdamaian dalam situasi ini. Ini benar-benar tidak masuk akal.”

Publik Jepang sebagian besar menentang penyelenggaraan Olimpiade Tokyo bulan depan selama pandemi, jajak pendapat menunjukkan, meskipun perbedaan pendapat di luar seperti protes kecil.

Salah satu outlet yang kurang dikenal di mana orang telah mengungkapkan rasa frustrasi dan ketakutan mereka atas Olimpiade adalah seni.

T-shirt, gambar dan karya seni lainnya telah menjadi bentuk protes atas keputusan untuk mengadakan Olimpiade melawan saran medis dan tentangan publik. Pejabat telah menanggapi dalam beberapa kasus dengan menuntut seni dan barang dagangan satir kadang-kadang dihapus, dan para seniman mengatakan kebebasan mereka sedang dibatasi.

“Yang bisa saya lakukan daripada protes adalah menggunakan keahlian saya di bidang seni,” kata Sakauchi tentang motivasinya memproduksi lukisan. Dia tidak pernah berpartisipasi dalam protes jalanan atau memasukkan isu-isu politik ke dalam lukisan abstraknya di masa lalu, tetapi Olimpiade Tokyo telah menjadi titik kritis.

Risiko infeksi virus mungkin telah mencegah orang-orang yang skeptis turun ke jalan untuk mengungkapkan rasa frustrasi mereka. Tidak seperti di Rio de Janeiro di mana, pada tahun 2016, ribuan orang berbaris selama berminggu-minggu menentang Olimpiade Musim Panas terakhir, protes baru-baru ini di Jepang paling banyak menarik puluhan orang.

Sakauchi menciptakan lukisan-lukisan itu setelah dia dihubungi oleh sekelompok seniman yang menyelenggarakan pameran seni anti-Olimpiade musim panas lalu. Karya-karyanya ditampilkan dalam pameran lain di bulan Februari.

Kai Koyama, penyelenggara utama pameran, mengatakan adalah tugas profesionalnya untuk memprotes, meskipun dia tahu banyak orang Jepang ragu-ragu untuk secara terbuka menunjukkan pendapat mereka.

“Kami seniman. Kami tidak akan ada jika kami tidak mengekspresikan diri kami,” kata Koyama, 45, kepada The Associated Press dalam sebuah wawancara. Lebih dari 20 seniman telah berkumpul untuk proyek ini.

Artis lain yang bergabung dalam pameran anti-Olimpiade adalah Sachihiro Ochi, 52, seorang pekerja sosial dan dokter di sebuah klinik dekat Stadion Yokohama, yang akan menjadi tuan rumah pertandingan bisbol dan softball Olimpiade. Dia mengatakan Tokyo dan Yokohama, kota terbesar di negara itu, telah memperketat kebijakan mereka terhadap para tunawisma karena Olimpiade. Ruang publik yang dulunya terbuka kini tertutup kerucut dan rintangan warna-warni, katanya.

Ochi telah mencoba menggambarkan perpindahan itu, bersama dengan motif satir, dalam lukisannya tentang maraton dan stadion nasional.

“Ada orang yang kehilangan pekerjaan dan tempat tinggal selama pandemi,” kata Ochi.

Beberapa pencipta seni anti-Olimpiade mengatakan kebebasan berekspresi mereka telah sempit meskipun perasaan mereka sejalan dengan meningkatnya ketidaksetujuan publik terhadap permainan tersebut.

Sebelum pandemi, desainer Susumu Kikutake membuat parodi kaos anti-Olimpiade karena skandal suap dan plagiarisme seputar acara Tokyo. Komentar online sangat keras dan dia hanya menjual sekitar 10 kemeja sebulan.

Tetapi di tengah gelombang virus baru-baru ini dan meningkatnya kekhawatiran publik, pemilik toko baju P&M di Tokyo mengatakan permintaan telah melonjak. Penjualan mencapai 100 kemeja di bulan April dan 250 di bulan Mei.

Kikutake mengatakan lonjakan tersebut mencerminkan kebencian publik terhadap keadaan darurat berkepanjangan yang dikeluarkan oleh pemerintah.

“Acara olahraga dan perjalanan sekolah anak-anak saya telah dibatalkan, dan kami terpaksa menerimanya tetapi mereka mengatakan mereka dapat mengadakan Olimpiade,” kata Kikutake.

“Ini benar-benar membuat saya kesal karena (perdana menteri) tidak menjelaskan mengapa mereka mengadakan Olimpiade, dan dia terus mengatakan itu akan aman dan terjamin’.”

Panitia penyelenggara Olimpiade Tokyo menuntut Kikutake menghentikan produksi kaus tersebut karena masalah hak cipta, katanya. Dia memulai dengan desain baru yang mencakup lebih sedikit cincin Olimpiade dan salah mengeja Tokyo sebagai “Okyo.”

Upaya serupa untuk menyindir Olimpiade Tokyo telah ditekan oleh panitia penyelenggara Tokyo 2020, dengan alasan pelanggaran hak cipta. Panitia penyelenggara mengatakan kepada AP bahwa melindungi kekayaan intelektual sangat penting bagi sponsor Olimpiade yang telah membayar biaya besar sebagai imbalan atas hak eksklusif untuk menggunakan simbol permainan. Itu menolak untuk mengomentari kasus-kasus tertentu.

Klub Koresponden Asing Jepang menghapus gambar parodi yang menggunakan logo Olimpiade Tokyo yang dikombinasikan dengan fitur virus corona dari situs web mereka setelah menerima permintaan penarikan dari panitia penyelenggara.

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Koyama, penyelenggara pameran seni, merencanakan acara seni anti-Olimpiade ketiga akhir bulan depan, ketika upacara pembukaan Olimpiade dijadwalkan akan dimulai.

Tapi galeri waspada terhadap pameran subversif seperti miliknya, kata seniman itu. Salah satu yang setuju untuk menjadi tuan rumah pameran mundur setelah aktivis sayap kanan menargetkan ruang dengan truk pengeras suara menuntut pembatalan pameran lain yang mereka klaim tidak patriotik.

“Kebebasan berbicara akan dipadamkan karena Olimpiade Tokyo,” kata Koyama.…

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui – Seni Jepang adalah salah satu harta terbesar di dunia, tetapi juga sangat sulit untuk menemukan informasi terkini di internet.

Panduan pamungkas ini akan memperkenalkan aspek seni Jepang yang paling menginspirasi: dari lukisan silkscreen tertua yang masih ada, melalui cetakan balok kayu abad ke-18 yang megah, hingga seniman modern paling terkenal di Jepang, Yayoi Kusama.

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Seni diciptakan oleh manusia. Itu sebabnya, dalam menceritakan kisah-kisah ini, kami memperhatikan implikasi sosial dan politiknya. Melalui 8 bab yang baru diperbarui ini, Anda akan belajar, misalnya, mengapa alam selalu menjadi pusat gaya hidup orang Jepang, dan bagaimana era Edo menghasilkan beberapa lukisan wanita cantik yang paling indah. poker99

Dunia seni kontemporer Jepang penuh dengan inovasi dan kreativitas. Kami senang untuk berbagi dengan Anda beberapa seniman kontemporer yang paling cerdik, pengrajin wanita dan pria, yang seringkali tidak begitu terkenal secara internasional sebagaimana mestinya.

Asal Usul Seni Jepang

Gelombang Besar di Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) tidak diragukan lagi salah satu karya seni Jepang yang paling terkenal. Bukan kebetulan bahwa cetakan balok kayu yang sangat disukai ini bertema kekuatan alam yang luar biasa, dan di dalamnya terdapat Gunung Fuji yang megah.

Alam, dan khususnya pegunungan, telah menjadi subjek favorit seni Jepang sejak awal. Sebelum agama Buddha diperkenalkan dari China pada abad ke-6, agama yang sekarang dikenal sebagai Shinto adalah kepercayaan eksklusif orang Jepang.

Pada intinya, Shinto adalah penghormatan kepada kami, atau dewa, yang diyakini berada di fitur alam, seperti pohon, sungai, batu, dan gunung. Untuk mempelajari lebih lanjut tentang agama Shinto, lihat Apa itu Kuil Shinto!

Oleh karena itu, di Jepang, alam bukanlah subjek sekuler. Gambar pemandangan alam bukan hanya pemandangan, melainkan potret dunia suci, dan kami yang hidup di dalamnya. Sentralitas alam sepanjang sejarah seni Jepang bertahan hingga hari ini, lihat misalnya 5 Desain Taman Jepang Paling Otentik ini.

Pemujaan terhadap alam ini akan mengambil banyak lapisan makna baru dengan diperkenalkannya gaya seni Tiongkok bersama dengan banyak aspek lain dari budaya Tiongkok di sebagian besar milenium pertama.

Lukisan era Heian (794-1185) yang teliti ini adalah sablon sutra Jepang tertua yang masih ada, sebuah bentuk seni yang dikembangkan sendiri dari pendahulu Tiongkok (dan bertahan hingga hari ini, lihat di sini untuk Fitur Artistik Rumah Jepang). Gayanya dapat dikenali dari China, tetapi lanskapnya sendiri adalah Jepang. Lagipula artis itu mungkin tidak akan pernah ke China sendiri.

The terciptanya gaya seni Jepang independen, yang dikenal sebagai Yamato-e (secara harfiah gambar Jepang), mulai dengan cara ini: penggantian bertahap motif alami China dengan varietas homegrown lebih umum. Burung ekor panjang Jepang sering menggantikan phoenix China yang ada di mana-mana, misalnya, sementara pohon dan bunga lokal menggantikan spesies asing yang tidak dikenal. Salah satu hewan yang sering terlihat dalam seni Jepang adalah kitsune, atau rubah. Berikut adalah beberapa Hal Lain yang Harus Anda Ketahui tentang Rubah Inari dalam Cerita Rakyat Jepang!

Ketika hubungan langsung dengan China menghilang selama periode Heian, yamato-e menjadi pernyataan yang semakin disengaja tentang supremasi seni dan budaya Jepang. Zen, impor China lainnya, berkembang menjadi sistem filosofis yang ketat, yang mulai menandai semua bentuk seni tradisional Jepang. Untuk mempelajari lebih lanjut, lihat Apa itu Seni Zen? Sebuah Pengantar dalam 10 Mahakarya Jepang.

Para biksu Zen secara khusus menggunakan lukisan tinta, sumi-e, yang mencerminkan kesederhanaan dan pentingnya ruang kosong yang menjadi pusat seni dan agama. Salah satu master bentuk terbesar, Sesshu Toyo (1420-1506), mendemonstrasikan inovasi lukisan tinta Jepang di View of Ama no Hashidate, dengan melukis pemandangan pantai Jepang yang spektakuler dari pandangan mata burung. Sumi-e terus menjadi salah satu bentuk seni paling populer di Jepang. Anda dapat mencobanya sendiri dengan Panduan Cara Melukis dengan Tinta Jepang.

Mungkin tidak ada yang sehebat Gunung Fuji yang agung. Bentuk kerucut sempurna dari gunung berapi yang tertidur, dan ancaman nyata dari amarahnya yang mematikan, bergabung dalam entitas menakjubkan yang telah dipuja, dan dilukis selama berabad-abad. Anda dapat melihat beberapa contoh di Views of Mount Fuji: Woodblock Prints Demystified.

Seni Samurai

Orang-orang cenderung mengasosiasikan Jepang dengan prajurit samurai yang terhormat, tetapi banyak orang mungkin tidak menyadari bahwa para pejuang yang terampil ini dilatih lebih dari sekadar pertempuran.

Samurai (juga dikenal sebagai bushi) adalah kelas prajurit Jepang premodern masa kejayaannya selama periode Edo (1603-1867). Samurai menjalani hidup mereka sesuai dengan kode etik yang dibuat dengan hati-hati yang dikenal sebagai bushido (jalan prajurit).

Sebagai kasta tertinggi dalam hierarki sosial, samurai diharapkan berbudaya dan melek huruf selain kuat dan mematikan. Karena mereka melayani bangsawan kaya, yang sangat menghargai pengejaran artistik, prajurit samurai juga mengidealkan seni dan bercita-cita untuk menjadi terampil di dalamnya.

Samurai diharapkan mengikuti bu dan bun seni perang dan budaya. Bahkan ada ungkapan untuk gaya hidup ini, bunbu-ryodo, yang berarti seni sastra, seni militer, dua arah.

Maka, tidak mengherankan jika banyak samurai menggunakan kekayaan dan status mereka untuk menjadi penyair, seniman, kolektor, sponsor, atau semua hal di atas. Miyamoto Musashi (c. 1584-1645) adalah contoh sempurna dari pendekatan pria Renaisans ini dia adalah seorang pendekar pedang, ahli strategi, filsuf, pelukis, dan penulis sekaligus. Dia menulis Book of Five Rings yang terkenal, yang berpendapat bahwa seorang pejuang sejati menguasai banyak bentuk seni selain pedang, seperti minum teh, menulis, dan melukis.

Wanita juga bisa termasuk dalam kelas samurai. Terutama mereka melayani sebagai pasangan bagi para pejuang, tetapi mereka juga bisa berlatih dan bertarung sebagai pejuang itu sendiri. Pejuang wanita ini disebut onna-bugeisha.

Prajurit wanita biasanya hanya mengangkat senjata pada saat dibutuhkan, misalnya untuk membela rumah tangga mereka selama masa perang. Namun, beberapa berjuang penuh waktu dan menjadi terkenal dengan sendirinya.

Salah satu pejuang tersebut adalah Tomoe Gozen (c. 1157-1247), seorang onna-bugeisha yang diabadikan dalam The Tale of the Heike. Menurut epik, dia cantik dan kuat, memiliki kekuatan banyak, “seorang prajurit bernilai seribu, siap untuk menghadapi setan atau dewa.”

Meskipun keberadaannya dikaitkan dengan legenda belaka, para pejuang terinspirasi oleh keberaniannya dan dia telah menjadi subjek drama kabuki dan lukisan ukiyo-e yang tak terhitung jumlahnya.

Seni samurai yang berhubungan langsung dengan pertempuran meliputi desain dan pengerjaan baju zirah dan senjata. Pedang samurai, alat utama dan simbol bushi, terkenal karena keahliannya hingga hari ini. Katana kuat namun fleksibel, dengan bilah baja melengkung dengan ujung tombak tunggal yang tajam.

Untuk memisahkan pegangan dari bilahnya adalah tsuba, yang dikembangkan dari piringan logam biasa menjadi kanvas untuk beberapa pekerjaan logam yang paling rumit. Lambang keluarga, simbol keberuntungan, dan bahkan seluruh adegan dari mitos dan sastra diukir menjadi aksesori yang elegan ini.

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Armor samurai sama-sama mengesankan dan rumit. Itu dibuat dengan tangan oleh ahli dan terbuat dari bahan yang kami anggap mewah, seperti pernis untuk tahan cuaca dan kulit (dan akhirnya renda sutra) untuk menghubungkan sisik individu.

Pelindung wajah juga merupakan seni yang rumit; Anda dapat membaca lebih lanjut di 10 Hal yang Mungkin Tidak Anda Ketahui Tentang Topeng Tradisional Jepang. Bahkan selama masa damai, samurai terus memakai atau menampilkan baju besi sebagai simbol status mereka.…

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan – Museum Seni Chichu terletak di pulau kecil Naoshima, di lepas pantai selatan Jepang, di distrik Kagawa, hanya dapat dicapai dengan feri.

Persilangan antara kesederhanaan Buddhis dan kebrutalan Modernis, dari pandangan udara Chichu tampak seperti serangkaian lubang beton berbentuk aneh yang dipotong menjadi bukit berumput yang landai.

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Arsiteknya, Tadao Ando, ​​dikenal karena penguasaannya yang luar biasa terhadap cahaya alami, dan berjalan melalui Chichu berarti memulai perjalanan penemuan di mana elemen yang paling diabaikan siang hari adalah mode transformasi dan objek keajaiban dalam haknya sendiri. idn poker

Bahkan sebelum social distancing, Chichu membatasi jumlah tiket yang terjual. Begitu masuk, ada batasan berapa banyak orang yang bisa berada di dalam ruangan tertentu dan terkadang, berapa lama Anda bisa menghabiskan waktu di sana. Tidak ada foto yang diizinkan, dan ketenangan dianjurkan.

Sebuah kanvas epik

Ada tiga seniman yang dipamerkan di Chichu, yang paling terkenal adalah Claude Monet dan kanvas epiknya, Water Lilies. Akuisisi “dekorasi agung” yang dilukis, luar biasa, ketika Monet berusia 70-an dan menderita katarak, adalah katalis utama untuk mendirikan museum.

Saya telah melihat lukisan dari seri ini bertahun-tahun sebelumnya, di Galeri Nasional yang mirip kamar mayat Inggris. Tapi di ruangan Chichu yang hangat dan bulat, cahaya matahari masuk dari jendela yang tinggi dan lonjong, lukisan-lukisan itu merupakan perpaduan yang menakjubkan dari bentuk, warna, dan penghormatan terhadap alam. Mereka menjadi hidup dengan cara yang tidak dapat ditingkatkan atau ditiru oleh teknologi tampilan, betapapun canggihnya.

Bangunan Ando secara organik berhubungan dengan karya seni dalam segala hal warna dinding, ubin di lantai, koridor gelap yang menghubungkan ruang di mana setiap pengalaman visual unik bukan karena “kelas dunia” tetapi karena hubungan yang dibina dengan pengunjung adalah pribadi. 

Buku Pegangan Chichu berbunyi: Untuk memberikan pemahaman yang lebih baik tentang karya dekoratif besar Monet dari perspektif kontemporer, kami memilih seniman Walter De Maria dan James Turrell. Keduanya disebut sebagai ‘seniman tanah’ untuk karya yang mereka ciptakan di daerah gurun yang luas dan pengaturan alam yang sunyi. Baik di luar, di dalam ruangan, atau di lingkungan sekitarnya, semua karya secara khusus ditujukan untuk ruang-ruang ini. Batas spasial antara dunia nyata dan seni kontemporer tidak jelas.

Galeri adalah kumpulan seni yang diatur menurut prinsip orang yang mendirikannya. Lebih dari teater atau gedung konser, di mana perubahan cepat dalam repertoar menciptakan semangat perubahan, mereka jarang kehilangan hubungan dengan filosofi yang mendasari pendiri mereka.

Semua seni mencerminkan momen di mana ia terjadi. Tapi galeri adalah titik kompas dari mana, sebagai masyarakat, kita mengambil sikap. MOMA, GOMA, Guggenheim, Bilbao, Pembangkit Tenaga Listrik, Pusat Pompidou, Pertapaan. Arti dari koleksi ini lebih besar dari real estat mereka.

Seni di tengah alam

Apa yang memunculkan visi seni Chichu yang kuat? Jawabannya tentu saja adalah visi hidup yang kuat; dari apa hidup kita bisa. Ando menulis:

Chichu dibuka sebagai museum dalam mengejar ‘situs untuk memikirkan kembali hubungan antara alam dan manusia’ pada Juli 2004. Pendirian museum adalah cara pribadi untuk menjawab dan mewujudkan pertanyaan yang saya sembunyikan selama bertahun-tahun ‘apa apakah itu berarti hidup dengan baik?’

Sesuai dengan namanya, chichu (bawah tanah), museum ini dibangun di bawah bukit yang sedikit lebih tinggi yang pernah dikembangkan sebagai dataran garam yang menghadap ke Laut Pedalaman Seto. Tanpa merusak pemandangan alam pulau yang indah dan berusaha menciptakan tempat untuk dialog pikiran, museum ini merupakan ekspresi dari keyakinan saya bahwa ‘seni harus ada di tengah alam’.

Kunjungan ke Chichu bukanlah pengalaman yang menentukan. Tidak ada pesan utama, seperti halnya dengan MONA atau Tate Modern, yang harus dikuatkan oleh pengunjung. Sebaliknya, ada cahaya, ruang, dan ketenangan.

Ada ruang untuk membiarkan indra terungkap, dan perluasan diri yang memungkinkan pikiran untuk menempati zona pemahaman yang berpotensi lebih besar. Tidak ada yang pintar tentang Chichu, dan gelar tersier dalam sejarah seni tidak diperlukan untuk menghargai apa yang ditawarkannya. Berjalan melalui gedung adalah pendidikan yang cukup.

Minus komentar dan kamera, diminta untuk membeli tiket murah sebelumnya, menunggu, diam, “dialog pikiran” yang dihasilkan terstruktur tetapi terbuka. Mungkin inilah yang dimaksud seniman ketika berbicara tentang “kebebasan dalam bentuk”.

Kebenaran, nilai, dan cara hidup alternatif adalah konsep yang saling terkait, bergantung satu sama lain. Ada kebenaran untuk mengunjungi koleksi Chichu yang juga diekspresikan dalam perabotan kayunya yang terbuat dari shioji, berbagai abu Jepang , halaman segitiganya yang aneh, dan pemandangan Laut Pedalaman Seto yang menakjubkan.

“Untuk mendapatkan kenikmatan maksimal dari karya-karya tersebut, pemirsa harus meluangkan waktu sejenak di antara setiap galeri untuk merenungkan sensasi yang tersisa sebelum beralih ke kelompok karya berikutnya”, kata buku pegangan itu.

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Kesadaran Buddhis Zen tentang kefanaan keberadaan menikah dengan bangunan publik berskala besar dalam tradisi demokrasi Barat untuk menghasilkan pertemuan spiritual yang bertujuan dan tidak diisi dengan konten dogmatis.

Jika ada sesuatu yang berharga di Museum Seni Chichu, saya tidak merasakannya. Itu adalah tempat yang santai, ditata dengan baik dan fungsional, agak seperti kereta Shinkansen Jepang yang membawa saya ke terminal feri. Meninggalkan, saya merasa lebih ringan, seolah-olah sesuatu yang tidak saya butuhkan telah dihapus secara diam-diam.…

Kenzo Takada: Desainer Dan Seniman Yang Menciptakan Merek Fesyen Global Multikultural Pertama

Kenzo Takada: Desainer Dan Seniman Yang Menciptakan Merek Fesyen Global Multikultural Pertama – Ketika perancang busana Jepang Kenzo Takada mendirikan gerai pertama yang menjual pakaiannya sendiri pada tahun 1970 di ruang kosong di Galerie Vivienne yang megah, di Paris ia melukis dinding dengan pemandangan hutan berdasarkan salah satu lukisan favoritnya, Karya Henri Rousseau yang penuh warna dan misteri, The Dream (1910). Mengerjakan muralnya memberi Takada ide untuk menelepon toko, dan labelnya, Jungle Jap. 

Kenzo Takada: Desainer Dan Seniman Yang Menciptakan Merek Fesyen Global Multikultural Pertama

Label itu tidak bertahan lama itu menjadi Kenzo pada waktunya karena istilah Jap tidak hanya merendahkan tetapi membawa kembali, di AS khususnya, kenangan histeria anti-Jepang selama Perang Dunia Kedua. “Saya tahu itu memiliki makna yang merendahkan”, kata Takada kepada New York Times dua tahun kemudian, “tetapi saya pikir jika saya melakukan sesuatu yang baik, saya akan mengubah artinya.” idnpoker

Tapi lukisan itu sendiri adalah sebuah grand geste imajinatif khas Kenzo, yang paling berseni, dan sensitif secara grafis, desainer pakaian, sementara harimau di tengah komposisi Rousseau, menatap lurus seperti topeng ke penonton, tetap, setengah abad di sebuah motif merek Kenzo, direproduksi pada T-shirt dan kausnya dan dijual di seluruh dunia. 

Takada menciptakan reputasi internasional untuk Kenzo, dan memenangkannya sebagai salah satu merek pakaian siap pakai (dan kemudian adibusana) terkemuka di Paris, dengan kain cetak dan pakaian rajutnya yang semarak di mana pola dan warna diseimbangkan secara artistic terinspirasi pertama oleh Jepang dan kemudian oleh serangkaian pengaruh multikultural, dari Timur Jauh, Eropa Timur, India, dan Afrika Utara.

Setelah pensiun dari Kenzo pada tahun 1999, Takada kembali ke kecintaannya pada menggambar. Pada tahun 2010 dan 2011 ia memamerkan, di Paris dan Moskow, serangkaian delapan potret diri sebagai karakter geisha dari drama Noh mengenakan kimono dengan pola bunga seperti Hokusai yang akrab bagi mereka yang telah mengikuti rumah modenya selama 40 tahun sebelumnya. Dalam segala hal yang dia lakukan pakaian, kacamata yang terinspirasi oleh lensa bundar khasnya, perabot rumah tangga, parfum kecintaannya pada seni rupa tetap dekat.

Kenzo Takada lahir pada tahun 1939 di Himeji, 60 mil sebelah barat Osaka, salah satu dari lima putra dan dua putri pemilik kedai teh. Tahun-tahun awalnya diselimuti oleh Perang Dunia Kedua dan kehidupan pascaperang di Jepang yang hancur. Dia tidak punya apa-apa secara budaya, dia ingat, tapi film Amerika dan gambarnya sendiri. 

Dia kemudian mengembangkan kecintaannya pada mode dari membaca majalah saudara perempuannya, dan meninggalkan Universitas Kobe, tempat dia belajar sastra, pada tahun 1958 untuk menghadiri Bunka Fashion College di Tokyo, di mana dia adalah salah satu siswa laki-laki pertama. 

Pada tahun 1960, ia dianugerahi Hadiah So-en, oleh majalah mode kampus So-en, dan mulai bekerja merancang pakaian anak-anak untuk department store Sanai. Salah satu tutornya telah mendorongnya untuk melakukan perjalanan ke Paris dan kesempatannya datang ketika pemerintah menyita flatnya sebagai bagian dari persiapan untuk Olimpiade Tokyo 1964, dan memberinya sewa sepuluh bulan sebagai kompensasi.

Takada pergi dengan kapal ke Marseilles, melihat Hong Kong, Singapura, Saigon, Kolombo, Bombay, Djibouti, Mesir dan Spanyol di sepanjang jalan, dan tiba di Paris pada tahun 1964. Dia kedinginan dan keras, tetapi terpesona oleh kota dan rasa dari kebebasan pribadi. Dia menemukan pekerjaan membuat gambar untuk sebuah perusahaan tekstil. Dia menemukan cinta pasangannya selama 25 tahun, Xavier de Castella dan dia tinggal selama sisa hidupnya. Komentator Prancis suka mengklaim Takada sebagai desainer Jepang paling Paris atau paling Prancis.

Dia pasti yang pertama, membuka jalan bagi Yohji Yamamoto, lulusan lain dari Bunka, dan desainer Jepang lainnya. “Saya sudah berada di Paris selama 55 tahun, tetapi saya masih menganggap diri saya 100% orang Jepang,” kata Takada kepada South China Morning Postpada tahun 2019. “Ketika saya kembali ke Jepang rasanya seperti di rumah sendiri, dan ketika saya kembali ke Paris juga terasa seperti di rumah sendiri.”

Untuk pembukaan butik tahun 1970-nya, dia tidak melihat ada gunanya meniru apa yang dilakukan saingan Prancisnya. Mengerjakan desainnya sendiri, ia menghasilkan sweter yang benar-benar berbentuk persegi. Dan itu, seperti yang dia katakan, “memberi dia gayanya”. 

Dia mencampur beberapa kain kimono dengan potongan bahan dari pasar loak untuk menciptakan gayanya sendiri yang menyenangkan, tampilan jalanan yang “paduan dan padu”, longgar, sering kali kebesaran, dan dengan sedikit ritsleting atau kancing. “Fashion bukan untuk segelintir orang”, katanya. 

Salah satu karyanya berakhir di bagian depan majalah Elle dan pembeli internasional datang mengunjungi acaranya tahun 1971. Pada Juli 1972 ia memiliki dua toko di Paris, satu di St Tropez, yang lain di Dusseldorf dan Hamburg dan sedang mencari tempat pertamanya di New York, di mana pakaiannya sudah ada di rak-rak Bloomingdale’s dan Saks Fifth Avenue.

Koleksi awalnya menceritakan kisah perjalanan fisik dan kreatifnya dari Jepang ke Prancis New York Times berkomentar pada tahun 1972 bahwa pakaian rajutnya “berwarna impresionis” dan perjalanan, perjalanan yang cermat, tetap menjadi bagian penting dari proses kreatifnya, saat ia mengumpulkan ide-ide dari Vietnam, India, Hong Kong, pakaian rakyat Eropa Timur, dan kaftan Afrika utara.

“Ketika saya kembali ke Jepang rasanya seperti rumah sendiri, dan ketika saya kembali ke Paris juga terasa seperti rumah sendiri – Kenzo Takada”

Ketika dia masih belajar dan bekerja di Jepang, dia tidak terlalu memikirkan pakaian tradisional Jepang, tetapi perjalanan ke Jepang pada tahun 1972, dalam perjalanannya ke AS, telah membuka matanya. “Pemotongan kimono itu sederhana, indah,” katanya kepada The New York Times, “Ini akan mempengaruhi pekerjaan saya.” Dengan paletnya yang semakin multikultural, ia berhasil mempertahankan gaya yang langsung dikenali. 

Garis besar yang sederhana dan suci; mata untuk pola kotak, kisi, bunga, bentuk organik dan bakat Simbolis untuk memadukan pola dengan warna-warna segar dan cerah, memainkan permainan yang mudah dengan nuansa yang saling melengkapi dan kontras. 

Di Paris, ia mengagumi karya perancang zaman ruang angkasa André Courrèges dan, terutama, karya Yves Saint Laurent, tetapi karyanya, dan pertunjukannya, tidak seperti yang pernah dilihat kota sebelumnya.

Koleksinya menyenangkan dan teatrikal. Dia adalah orang pertama yang menggunakan banyak model pada satu waktu, daripada yang berbaris naik turun dalam isolasi yang dingin. Dan dia adalah yang pertama, desainer dan model Inès de la Fressange mengatakan kepada Women’s Wear Daily, untuk menempatkan selebriti di atas catwalk. “Orang-orang akan berjuang untuk masuk ke pertunjukan Kenzo,” katanya. Pada tahun 1972, 800 orang diharapkan untuk melihat koleksinya, dan lebih dari 3.000 muncul. Itu sangat ramai sehingga para model tidak bisa bergerak. 

Dia menambahkan pertunjukan couture tahunan ke lini pakaian siap pakainya pada tahun 1976. Pertunjukannya tahun 1979 diadakan di tenda sirkus. Pada satu tahap, para model menunggang kuda, dan Takada menunggangi gajah.

Pada 1980-an, Kenzo memiliki pijakan bisnis yang kokoh, dan melakukan diversifikasi ke mode pria; pada tahun 1983, parfum, kain rumah tangga dan syal. Satu syal memiliki desain bunga di sekitar potret Holbein dalam profil Edward Prince of Wales pada usia enam tahun.

Takada adalah orang yang paling lembut penyiar Prancis suka merujuk pada rasa takutnya dan merasa penting baginya untuk bahagia dalam dirinya sendiri: “Jika Anda tidak bahagia, Anda tidak dapat menciptakan”. 

Dikatakan bahwa satu hal yang menyatukan faksi-faksi yang bertikai dari mode Paris adalah kasih sayang pribadi mereka untuk Takada. Dia dan De Castella menciptakan rumah yang sepenuhnya Jepang di Paris. Itu adalah pusat yang menenangkan untuk kehidupan profesionalnya yang sibuk di mana dia suka menghibur. 

Tetapi dia juga menyukai pesta besar, menari, dan bepergian dengan teman-teman. Nya joie de vivre terus melanggar keluar. Introvert dan ekstrovert diadakan dalam keseimbangan yang menarik. Seperti juga garis putih di pinggirannya, yang berkembang secara alami tetapi kemudian dipelihara dengan hati-hati oleh penata rambutnya.

Pada 1990-91 ia mengalami tiga tragedi pribadi. Rekannya Xavier de Castella meninggal, setelah lima tahun kesehatannya menurun, pada tahun 1990; tahun berikutnya Atsuko Kondo pembuat pola yang memainkan peran kunci dalam mengubah desain menjadi produk jadi mengalami stroke; dan ibu Takada meninggal saat dia berada di luar jaringan, berlayar mengelilingi Corsica. 

Dia sangat sedih karena melewatkan pemakamannya. Di tempat kerja ia mendapati dirinya berselisih dengan manajer bisnisnya, dan pada 1993 menjual Kenzo ke konglomerat barang mewah LVMH seharga $80 juta, tetap sebagai direktur kreatif hingga 1999.

Dia senang keluar dari treadmill koleksi tetapi, setelah dua tahun bepergian, harus kembali berkreasi. Melukis, tetapi juga mendirikan merek peralatan rumah tangga baru, Gokan Kobo, pada tahun 2004, dan merancang kostum untuk produksi Puccini’s Madame Butterfly di Tokyo pada tahun 2019.

Kenzo Takada: Desainer Dan Seniman Yang Menciptakan Merek Fesyen Global Multikultural Pertama

Pada bulan Januari ia meluncurkan K3, merek furnitur, keramik, dan kain. Keseimbangan antara desain yang sederhana, bersih, dan warna yang ekspresif tetap sama pentingnya seperti di Galerie Vivienne 50 tahun sebelumnya.

Dalam potret dirinya tahun 2010, Takada tertarik dengan keputusannya sendiri untuk menggambarkan dirinya sebagai karakter wanita dari Noh, dengan wig dan topeng. Di setiap gambar dia menggunakan lebih sedikit topeng dan menunjukkan lebih banyak wajah. 

Baginya proses itu terasa aneh, tetapi juga memberi kesenangan. Simbol dari pertunangannya dengan campuran introvert dan ekstrovert. Dan satu lagi ekspresi kegembiraan Takada yang tak terbendung.…