Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo – Kemenangan Tokugawa Ieyasu dan penyatuan teritorial membuka jalan menuju pemerintahan baru yang kuat. Keshogunan Tokugawa akan memerintah selama lebih dari 250 tahun periode yang relatif damai dan kemakmuran yang meningkat. Budaya urban yang dinamis berkembang di kota Edo (sekarang Tokyo) serta di Kyoto dan di tempat lain. 

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Pengrajin dan pedagang menjadi produsen dan konsumen penting dari bentuk-bentuk baru budaya visual dan material. Sering disebut sebagai era “modern awal” Jepang, periode Edo yang berumur panjang dibagi menjadi beberapa sub-periode, yang pertama adalah era Kan’ei dan Genroku, yang mencakup periode dari tahun 1620-an hingga awal 1700-an. idn poker

Selama era Kan’ei, aliran seni lukis Kanō, yang didirikan pada periode Muromachi, berkembang di bawah kepemimpinan tiga pelukis yang paling khas: Kanō Tan’yū, Kanō Sanraku, dan Kanō Sansetsu. Gaya mereka ditiru dan berangkat dari lukisan hebat Kanō Eitoku (dibahas di bagian periode Momoyama). Tan’yū adalah cucu Eitoku, Sanraku adalah putra angkatnya, dan Sansetsu adalah menantu Sanraku (yang akhirnya diadopsi oleh Sanraku sebagai pewaris).

Tan’yū, khususnya, mempelopori gerakan konservatif ini. Kepindahannya ke Edo sebagai pelukis shōgun Tokugawa menandai pemutusan hubungan dengan pelukis Kanō yang berbasis di Kyoto (termasuk Sanraku dan Sansetsu), yang tercermin dalam risalah kontemporer yang berpendapat tentang masalah hierarki dan legitimasi di sekolah.

Seorang seniman serba bisa yang mendalami tradisi Tiongkok, Tan’y adalah penikmat dan kolektor lukisan Tiongkok. Menggambar pada kosakata visual terpelajarnya, Tan’y melukis lanskap puitis dengan tinta monokrom, biasanya menggugah subjek klasik, dan lukisan polikrom dalam gaya Jepang, mengakomodasi komisi skala besar untuk pengaturan megah. Sebagai penghargaan atas karyanya, ia dianugerahi, pada usia 61, gelar kehormatan Hōin (“Segel Hukum Buddhis”).

Era Kan’ei dan Genroku menyaksikan perkembangan besar di media lain, yaitu porselen. Pelopor porselen Jepang adalah pembuat tembikar Korea yang dibawa ke Jepang setelah serangan Toyotomi Hideyoshi ke Korea selama periode Momoyama. 

Para pembuat tembikar ini menetap di Kyushu dan membuka jalan bagi salah satu pusat porselen paling inovatif dan produktif di dunia. Arita, Imari, Kakiemon sekarang menjadi nama yang populer, sebagian karena ekspor barang-barang tersebut pada abad ke-17 dari Kyushu Utara melalui Perusahaan Hindia Timur Belanda.

Perusahaan perdagangan internasional ini telah memberikan kontribusi yang signifikan terhadap daya tarik global porselen China, terutama biru dan putih variasi. Terlepas dari kebijakan isolasi diri Tokugawa, pengecualian mengizinkan beberapa agen China dan Belanda untuk melanjutkan perdagangan internasional, dikombinasikan dengan gejolak politik di China yang disebabkan oleh jatuhnya dinasti Ming, menciptakan konteks yang optimal bagi Belanda untuk menggantikan warna biru China.

Barang ekspor Jepang, sering disebut sebagai barang Imari, meniru porselen biru-putih China dan mencerminkan selera Barat yang dilayaninya. Di antara kiln porselen yang berbeda di Kyushu utara, peralatan Nabeshima tidak untuk ekspor tetapi diproduksi secara eksklusif untuk pasar domestik. 

Penguasa Nabeshima, yang telah membawa para pembuat tembikar Korea ke wilayahnya, merangkul produksi lokal yang berkembang pada abad ke-17 dan melindungi tempat pembakaran khusus yang porselennya ia tawarkan sebagai hadiah strategis kepada shogun dan penguasa feodal lainnya. 

Dengan proses produksi yang dirahasiakan, porselen Nabeshima dapat dibedakan dari permukaannya yang indah, dihiasi dengan motif halus yang digambar bukan dari sumber China atau Eropa, tetapi dari perbendaharaan visual tradisional Jepang.

Dengan permukaannya yang halus dan bentuknya yang jelas, porselen sangat berbeda dari periuk yang diproduksi di pusat keramik lain di Jepang, seperti peralatan Oribe untuk ritual minum teh (dijelaskan di bagian periode Momoyama). Selama periode Edo, upacara minum the chanoyu dan sencha, jenis ritual yang berbeda untuk persiapan dan menikmati teh daun yang direndam terus berkembang. 

Sencha, khususnya, merupakan bagian integral dari budaya literati. Sastrawan Jepang atau bunjin mencontoh diri mereka pada sarjana-filsuf China yang berpengalaman dalam melukis, kaligrafi, dan menulis puisi. 

Sebagai sarjana dengan pengejaran artistik, bunjin bukanlah pelukis profesional, tetapi menggunakan lukisan terutama rendering spontan lanskap, puisi, dan motif tradisional China dan Jepang dalam pencucian tinta sebagai cara untuk mengekspresikan energi batin dari roh yang dibudidayakan yang berusaha mencapai keunggulan dengan melepaskan diri dari masyarakat dan bahkan menentang norma-norma sosial. 

Model pengasingan ini terutama dianut dalam periode kerusuhan politik, yang pasti terjadi di Jepang pada akhir abad ke-16 selama gejolak yang menjadi ciri Momoyama, rentang 40 tahun yang mengarah ke periode Edo. 

Lambat laun, praktik sastrawan mengembangkan ketegangan inti antara pemberontak dan yang sangat individualistis, di satu sisi, dan ritualistik dan normatif, di sisi lain, karena tradisi dan garis keturunan mulai menjadi lebih kaku dari waktu ke waktu.

Bunjinga, secara harfiah dapat diterjemahkan sebagai “lukisan sastra”, mengacu pada lukisan yang dipraktikkan oleh orang-orang terpelajar ini. Lukisan sastrawan sering menyatukan referensi tema klasik Tiongkok dan sumber sastra lokal dan kontemporer, terutama puisi, yang sering ditulis oleh pelukis itu sendiri.

Abad ke-18 haikai-no-rengapenyair Yosa Buson juga seorang pelukis ulung dan, dalam semangat kolaboratif haikai-no-renga, menulis bersama, dengan Ike no Taiga, sepasang album dengan tema China dari “sepuluh kenyamanan” dan “sepuluh kesenangan” dari kehidupan, menggabungkan penggambaran alam yang ideal (kebanyakan oleh Buson) dengan penafsiran anekdotal tentang aktivitas manusia (kebanyakan oleh Taiga).

Kolaborasi antara Buson dan Taiga bersifat kolegial dan kompetitif, mengingatkan pada tradisi puisi dan kontes gambar Jepang berusia berabad-abad yang memamerkan bakat dan keterampilan.

Sebuah foil untuk pendekatan Buson dan Taiga untuk melukis adalah pencarian baru akan realisme pelukis Maruyama Okyo. Penampilan naturalistiknya tentang burung dan hewan, sosok manusia, dan lanskap kontras dengan mode sastrawan dengan berfokus pada rejimen representasi visual yang rasional, didasarkan pada pengamatan dunia alami. Terlatih dalam teknik bayangan Eropa dan perspektif satu titik, Okyo tetap menciptakan sintesis naturalisme yang terinspirasi barat dan teknik, gaya, dan materi pelajaran tradisional Jepang. 

Mode lukisan Okyo ditransmisikan melalui sekolah Maruyama-Shijō, yang pertama kali didirikan Okyo sebagai sekolah Maruyama. Dilanjutkan oleh Matsumura Goshun (yang studionya berada di jalan Shijō di Kyoto), seorang pelukis yang pertama kali belajar dengan Buson dan kemudian beralih ke Okyo. 

Kedua aliran yang terkait erat ini telah disebut sebagai satu kesatuan sejak akhir zaman Edo, ketika perbedaan antara keduanya telah memudar. Salah satu pelukis paling terkenal dalam garis keturunan Goshun adalah Shibata Zeshin, murid salah satu murid Goshun, dan seorang pelukis dan seniman pernis yang inovatif.

Pelukis yang bekerja di luar sekolah mapan seperti Tosa dan Kanō menyimpang dari mode melukis yang mapan ke berbagai tingkat. Mereka yang gayanya sangat tidak konvensional baru-baru ini dievaluasi ulang sebagai membentuk “garis keturunan eksentrik” oleh sejarawan seni Jepang Tsuji Nobuo.

Termasuk dalam “garis keturunan” ini adalah Iwasa Matabei, Kano Sansetsu, Ito Jakuchu, Soga Shohaku, Nagasawa Rosetsu dan Utagawa Kuniyoshi masing-masing memiliki lintasan tersendiri dalam proses pendewasaannya sebagai seniman visual. Apa yang mereka bagikan adalah pendekatan yang sangat pribadi untuk melukis, sering kali ditandai dengan teknik yang tidak biasa dan materi pelajaran yang tidak biasa.

Di Lions di Stone Bridge di Mt. Tiantai, Soga Shōhaku memilih tema Buddhis yang jarang digambarkan dan membayangkannya dengan cara baru, menambahkan dimensi aneh padanya. Dalam Birds, Animals, and Flowering Plants in Imaginary Scene, Itō Jakuchū dengan susah payah melukis tidak kurang dari 43.000 kotak berwarna untuk menciptakan komposisi seperti mosaik yang fantastis.

Selama periode Edo, budaya urban yang ramai berkembang. Pedagang, pengrajin, dan penghibur membantu membentuk selera budaya dan seni melalui produk dan program mereka. Pesta kolaboratif terkait-syair dan bentuk hiburan baru seperti teater kabuki menjadi pokok gaya hidup perkotaan.

Pariwisata juga semakin populer saat para pelancong berziarah ke kuil, kuil, dan situs terkenal (meisho名所), yang sering dikaitkan dengan puisi klasik dan dongeng tradisional. Semua praktik budaya ini tercermin dalam lukisan dan cetakan populer yang dikenal secara kolektif sebagai ukiyo-e浮世絵.

Secara harfiah “gambar dunia terapung,” ukiyo-e dapat didefinisikan sebagailukisan bergenreuntuk dan tentang “orang biasa” (shōmin庶民) anggota kelas menengah masyarakat Jepang periode Edo.

Terlatih dalam bisnis tekstil keluarganya, pelukis abad ke-17 Hishikawa Moronobu adalah master ukiyo-e paling awal. Dia fokus pada gambar wanita cantik (bijin) dan bekerja baik dalam lukisan dan pencetakan balok kayu.

Penggambarannya tentang wanita dan kekasih di tempat hiburan Edo sangat memengaruhi pelukis dan desainer cetak ukiyo-e berikutnya, terutama Miyagawa Chōshun. Awalnya dididik di sekolah Tosa, Chōshun menandatangani karyanya dengan menambahkan “yamato-e” ke namanya sebuah praktik yang menunjukkan bahwa pada masa-masa awalnya, ukiyo-e dianggap sebagai penerusyamato-e gaya.

Sezaman dengan ukiyo-e Master Hishikawa Moronobu adalah pelukis Iwasa Matabei, yang, seperti Moronobu dan para pengikutnya, melihat dirinya sebagai pewaris yamato-e dan tradisi Tosa-sekolah. Mengingat gaya lukisan anekdot dan kesetiaannya pada subjek dan teknik melukis Jepang, Matabei sering dianggap sebagai tokoh pendiri ukiyo-e bersama dengan Moronobu. Matabei mendapat inspirasi untuk lukisannya dari sastra klasik Jepang seperti Tale of Genji.

Namun, dalam semangat ukiyo-e, lukisannya diresapi dengan rasa kehidupan sehari-hari dan pengalaman pribadi. Dimensi seni yang sangat pribadi membuat orang lain menganggap Matabei sebagai salah satu “eksentrik” (digunakan di sini dalam pengertian yang dijelaskan sebelumnya dalam kaitannya dengan Shōhaku dan Jakuch, dan selaras dengan definisi sejarawan seni Tsuji Nobuo). Apakah Tosa, ukiyo-e, atau eksentrik, Matabei memutuskan tradisi dengan berfokus pada pengalaman kontemporer dan aspek kehidupan sehari-hari.

Seringkali, tema-tema ini secara main-main terjalin dengan materi pelajaran klasik, menghasilkan simile visual, yang kadang-kadang parodi, yang dikenal sebagai mitate. Realitas masa kini ditumpangkan di atas tema klasik atau mitis masa lalu.

Praktik ini berkisar pada lukisan periode Edo dari penekanan pada hal-hal biasa dan anekdot, seperti yang terlihat dalam komposisi Matabei, hingga penggambaran tokoh-tokoh kontemporer (seperti wanita cantik dan aktor kabuki) dalam kedok tokoh legendaris atau sejarah seperti penyair dan pejuang, seperti yang terlihat kemudian dalam karya seniman ukiyo-e abad ke-18 dan ke-19 seperti Andō (Utagawa) Hiroshige dan Utagawa Kunisada.

Gambar Ukiyo-e tersedia dalam berbagai format, mulai dari lukisan dansurimonountuk buku bergambar (ehon画本) dan cetakan balok kayu lepas, sering disusun dalam seri (misalnya tiga puluh enam pemandangan Gunung Fuji, tujuh episode dalam kehidupan penyair wanita abad ke-9 Ono no Komachi.

Salah satu ukiyo-e paling terkenalmaster dan lambang seni Jepang di dunia barat, Katsushika Hokusai (1760-1849) tidak hanya merancang seri cetak balok kayu dan buku bergambar, tetapi juga menulis banyak lukisan. Memimpin hidup hemat dan tinggal di tempat tinggal yang tidak terawat, Hokusai sangat produktif selama hidupnya yang panjang, mengadopsi berbagai moniker dan dengan hati-hati mengencani karya-karyanya dengan menunjukkan berapa umurnya ketika dia melukisnya.

Hokusai memang terkenal karena keahlian menggambarnya yang luar biasa dan imajinasinya yang luar biasa, ditambah dengan pemahaman yang baik tentang kehidupan dan budaya Jepang, baik klasik maupun kontemporer. Seperti pelukis zaman Edo lainnya, ia sering menyisipkan dirinya dalam karyanya sendiri melalui potret diri semu dan refleksi tentang ketidakkekalan dan usia tua.

Periode Edo melihat sirkulasi intensif kosakata visual dan prinsip-prinsip estetika antara medium (lukisan, keramik, pernis, dan tekstil sering berbagi motif yang sama) dan melintasi daftar budaya yang berbeda dari desain ke budaya populer hingga nostalgia untuk masa pra-modern yang romantis.

Persimpangan ini lebih lanjut dimungkinkan oleh kolaborasi antara seniman dari spesialisasi yang berbeda. Salah satu yang paling penting dari kolaborasi ini adalah antara pelukis abad ke-17 Tawaraya Sōtatsu yang berbasis di Kyoto dan ahli kaligrafi dan keramik Hon’ami Kōetsu.

Latihan gabungan mereka memerlukan estetika elegan yang menekankan referensi budaya tradisional yang dibagikan di seluruh lukisan, puisi, kaligrafi, pernis, keramik, dan ritual minum teh.

Bersama dengan pembuat tembikar Nonomura Ninsei, Kōetsu termasuk orang pertama yang menandatangani tembikar mereka di Jepang. Dia akan membentuk mangkuk tehnya, lalu mengirimnya ke bengkel peralatan Raku untuk membuat mangkuk itu diglasir dan dibakar.

Kōetsu bekerja di berbagai media dan kolaborasinya dengan pelukis dan pembuat tembikar berkontribusi pada budaya visual yang lebih terpadu. Seperti halnya seni Jepang selama berabad-abad, garis keturunan memainkan peran penting dalam kelangsungan hidup dan transformasi program estetika Sōtatsu dan Kōetsu.

Gaya terjalin dari dua seniman abad ke-17 ini ditiru dan dikonsolidasikan oleh seniman awal abad ke-18 Ogata Kōrin dan saudaranya Ogata Kenzan, yang menjadi pemimpin sekolah dengan hak mereka sendiri.

Sejarah Singkat Seni Jepang: Zaman Edo

Hubungan keluarga menggandakan silsilah gaya ini: Kōrin dan nenek buyut Kenzan adalah kakak perempuan Kōetsu. Dan kedua bersaudara itu kadang-kadang berkolaborasi. Kōrin berspesialisasi dalam lukisan, sementara Kenzan menjadi salah satu nama paling berpengaruh di keramik daerah Kyoto.

Generasi pembuat tembikar kemudian meniru dan bahkan meniru gaya Kenzan, sementara Kōrin memberikan namanya ke sekolah baru, Rinpa (“Rin” dari “Kōrin” + “pa/ ha”, yang berarti “sekolah”), yang menelusuri estetikanya asal usul model Kōrin dan Kenzan, yaitu Sōtatsu dan Kōetsu.

Desain halus dan cerdik seniman Rinpa didasarkan pada tema dan motif tradisional, dan diberikan dalam warna emas, perak, dan berani. Mereka bekerja di berbagai media dan genre mulai dari lukisan hingga pernis dan dari episode diKisah Genji hingga penggambaran empat musim.…

Sejarah Singkat Seni Jepang: Periode Jomon

Sejarah Singkat Seni Jepang: Periode Jomon – Seni Jepang sangat terkait dengan sejarah panjang dan kompleks negara ini. Mereka juga sering berdialog dengan perkembangan seni dan budaya di belahan dunia lain. Dari ekspresi estetika paling awal dari periode Neolitik hingga seni kontemporer saat ini, inilah survei singkat untuk Anda mulai.

Sejarah Singkat Seni Jepang: Periode Jomon

Harap dicatat bahwa meskipun materi disusun secara kronologis, materi ini menyoroti tema-tema utama dan memperkenalkan pembuat dan objek yang diakui sangat berpengaruh.

Periode Jōmon (c. 10.500 – c. 300 SM): menggenggam dunia, menciptakan dunia

Periode Jōmon adalah periode Neolitik Jepang. Orang memperoleh makanan dengan mengumpulkan, memancing, dan berburu dan sering bermigrasi ke daerah yang lebih dingin atau lebih hangat sebagai akibat dari perubahan iklim. Dalam bahasa Jepang, jōmon berarti “pola tali”, yang mengacu pada teknik mendekorasi tembikar periode Jōmon. idnpoker

Seperti kebanyakan budaya Neolitik di seluruh dunia, wanita membuat pot dengan tangan. Mereka akan membangun bejana dari bawah ke atas dari gulungan tanah liat basah, dicampur dengan bahan lain seperti mika dan kerang yang dihancurkan. 

Pot-pot tersebut kemudian dihaluskan baik bagian dalam maupun luarnya dan dihiasi dengan pola geometris. Dekorasi dicapai dengan menekan tali pada permukaan lunak dari tubuh tanah liat yang masih lembab. Panci dibiarkan kering sepenuhnya sebelum dibakar pada suhu rendah (kemungkinan besar, hanya mencapai 900 derajat Celcius) di lubang api luar ruangan.

Kemudian pada periode Jōmon, bejana menyajikan dekorasi yang semakin rumit, dibuat melalui sayatan dangkal pada tanah liat basah, dan bahkan diwarnai dengan pigmen alami. 

Tembikar bertanda tali periode Jōmon menggambarkan keterampilan luar biasa dan rasa estetika dari orang-orang yang memproduksinya, serta keragaman gaya barang dari berbagai daerah.

Juga dari periode Jōmon, patung-patung tanah liat telah ditemukan yang dikenal dalam bahasa Jepang sebagai dogū. Ini biasanya mewakili sosok wanita dengan fitur berlebihan seperti mata lebar atau melotot, pinggang kecil, pinggul menonjol, dan terkadang perut besar menandakan kehamilan. Mereka unik untuk periode ini, karena produksinya berhenti pada abad ke-3 SM

Hubungan mereka yang kuat dengan kesuburan dan tanda-tanda misterius “bertato” pada tubuh tanah liat mereka menunjukkan potensi penggunaan mereka dalam ritual spiritual, mungkin sebagai patung atau gambar dewi. Selain dogū, periode ini juga melihat produksi benda-benda batu phallic, yang mungkin merupakan bagian dari ritual dan kepercayaan kesuburan yang sama.

Gambar tubuh perempuan sebagai simbol kesuburan banyak ditemui di berbagai belahan dunia pada periode Neolitikum, menghadirkan ciri khas daerah dan budaya yang menghasilkannya. Kekhawatiran akan kesuburan semakin meningkat dua kali lipat, yaitu kesuburan wanita dan kesuburan tanah, ketika orang-orang mulai mengolahnya dan beralih ke masyarakat pertanian yang mapan.

Periode Yayoi (300 SM – 300 M): impor berpengaruh dari benua Asia (I)

Orang-orang dari benua Asia yang menanam tanaman bermigrasi ke pulau-pulau Jepang. Bukti arkeologi menunjukkan bahwa orang-orang ini secara bertahap menyerap populasi pemburu-pengumpul Jōmon dan meletakkan dasar bagi masyarakat yang menanam padi di sawah, menghasilkan perkakas perunggu dan besi, dan diatur menurut struktur sosial hierarkis. Nama periode Yayoi berasal dari lingkungan Tokyo, ibu kota Jepang, tempat artefak dari periode itu pertama kali ditemukan.

Artefak periode Yayoi mencakup keramik yang secara gaya sangat berbeda dari keramik periode Jōmon bertanda tali. Meskipun teknik yang sama digunakan, tembikar Yayoi memiliki bentuk dan permukaan yang lebih tajam dan bersih, termasuk dinding yang halus, terkadang dilapisitergelincir, dan alas tempat pot dapat berdiri tanpa digantung dengan tali. Permukaan yang mengilap, sayatan yang lebih halus, dan konstruksi kokoh yang menunjukkan minat pada simetri adalah karakteristik pot Yayoi.

Beberapa penelitian menunjukkan bahwa tembikar Yayoi terkait dengan tembikar Korea saat itu. Pengaruh Korea melampaui keramik dan juga dapat dilihat pada pengerjaan logam Yayoi. Khususnya, lonceng perunggu tanpa genta periode Yayoi sangat mirip dengan lonceng Korea yang jauh lebih kecil yang digunakan untuk menghiasi hewan peliharaan seperti kuda.

Lonceng ini, bersama dengan cermin perunggu dan kadang-kadang senjata, dikubur di puncak bukit. Praktik ini tampaknya terkait dengan ritual dan mungkin dianggap menguntungkan, mungkin untuk kesuburan tanah di masyarakat yang sebagian besar agraris ini. 

Fungsi magis atau ritual dari lonceng lebih lanjut disarankan oleh fakta bahwa lonceng tidak hanya tanpa genta, tetapi mereka juga memiliki dinding yang terlalu tipis untuk berdering ketika dipukul.

Lonceng menjadi lebih besar kemudian pada periode Yayoi, dan diyakini bahwa fungsi lonceng yang lebih besar ini adalah ornamen. Di seluruh wilayah dan selama rentang beberapa abad, lonceng tersebut bervariasi dalam ukuran dari sekitar 10 cm hingga lebih dari 1 meter tingginya.

Periode Kofun (ca. abad ke-3 – 538): impor berpengaruh dari benua Asia (II)

Periode Kofun is dinamakan demikian setelah gundukan pemakaman kelas penguasa. Praktek membangun gundukan makam dengan proporsi yang monumental dan mengubur harta bersama almarhum datang dari benua Asia selama abad ke-3.

Awalnya tanpa hiasan, makam-makam ini menjadi semakin berhias; pada abad ke-6, ruang pemakaman telah melukis dekorasi. Gundukan pemakaman dikelilingi dengan batu; gerabah tanah liat berongga, yang dikenal dalam bahasa Jepang sebagai haniwa 埴輪, tersebar untuk perlindungan di tanah di sekitar gundukan. 

Kofun biasanya berbentuk lubang kunci, memiliki beberapa tingkatan, dan dikelilingi oleh parit. Struktur yang dihasilkan merupakan tampilan kekuasaan yang mengesankan, mengiklankan kontrol keluarga penguasa. Kofun terbesar adalah mausoleum Nintoku, berukuran 486 meter!

Benda-benda tanah liat berongga, haniwa, yang tersebar di sekitar gundukan kuburan pada periode Kofun, memiliki sejarah yang menarik. Awalnya silinder sederhana, haniwa menjadi representasi selama berabad-abad, pertama dimodelkan sebagai rumah dan hewan dan akhirnya sebagai sosok manusia, biasanya pejuang. 

Potongan-potongan selanjutnya sangat membantu para antropolog dan sejarawan sebagai tanda budaya material periode Kofun, menawarkan pandangan sekilas ke dalam masyarakat itu. 

Apakah persembahan untuk orang mati atau penghalang pelindung yang dimaksudkan untuk menjaga makam, haniwa memiliki identitas estetika yang kuat yang terus menjadi sumber inspirasi bagi para pembuat keramik Jepang.

Sejarah Singkat Seni Jepang: Periode Jomon

Melalui konsolidasi kekuatan politik secara bertahap, klan Yamato periode Kofun menjadi kerajaan dengan kontrol yang tampaknya luar biasa atas penduduk. Pada abad ke-5, pusatnya pindah ke provinsi Kawachi dan Izumi yang bersejarah (di wilayah prefektur Osaka saat ini). Di sanalah gundukan pemakaman kofun terbesar bersaksi tentang masyarakat Yamato yang berkembang pesat, masyarakat yang semakin sekuler dan militer.

Secara bersamaan, roda pembuat tembikar digunakan untuk pertama kalinya di Jepang, kemungkinan besar ditransmisikan dari Korea, di mana ia diadopsi dari China. Teknologi baru ini digunakan untuk menghasilkan apa yang dikenal sebagai Sue gudang-biasanya abu-abu kebiruan atau arang putih guci kaki dan pitcher yang telah dipecat di miring-terowongan, bilik tunggal kiln (anagama穴窯) pada suhu melebihi 1.000 derajat celsius. Seperti jenis tembikar Jepang kuno lainnya, Sue ware terus menjadi sumber inspirasi bagi para pembuat keramik, di Jepang dan sekitarnya.…

Museum Seni Terbaik Di Jepang

Museum Seni Terbaik Di Jepang – Taman dan bangunan yang brilian, ditambah dengan seni yang luar biasa membuat museum yang spektakuler dan terjangkau ini menjadi kunjungan yang mengasyikkan. Berikut merupakan 6 daftar museum seni terbaik di Jepang:

Museum Seni Terbaik Di Jepang

Museum Seni Mori, Tokyo

Salah satu museum seni paling inovatif di Tokyo, Mori Art Museum menempati lantai 52 dan 53 gedung Roppongi Hills yang berlantai 54. Museum tidak memiliki koleksi permanen; melainkan menampilkan koleksi instalasi sementara dan karya seni yang selalu berubah. idn play

Pameran tunggal terbesar yang pernah dilakukan oleh seniman instalasi Jepang Shiota Chiharu berlangsung hingga 27 Oktober, menampilkan instalasi skala besar yang terkenal menggunakan benang, tetapi juga cuplikan video pertunjukan, foto, gambar, dan materi yang berhubungan dengan seni pertunjukan. Pameran yang akan datang meliputi apa artinya menjadi manusia, menjelajahi AI, robotika, dan kehidupan masa depan kita (19 Nov – 29 Maret).

Museum Terbuka Hakone, Kanagawa

Hakone adalah kota sumber air panas yang dapat dicapai dalam satu jam dengan kereta ekspres di barat daya Tokyo. Di antara perbukitan dan pegunungan berhutan, dengan Gunung Fuji tidak jauh, kota ini menerima lebih dari cukup banyak wisatawan akhir pekan dan harian dari ibu kota yang ingin mandi di pemandian onsen dan melihat lanskap vulkanik di area tersebut.

Tetapi semua pengunjung harus meluangkan waktu beberapa jam untuk menjelajahi Museum Terbuka Hakone seluas tujuh hektar, sebuah galeri luar ruangan yang menampilkan karya-karya pematung termasuk Henry Moore dan Auguste Rodin, serta koleksi lukisan dan patung Picasso.

Museum Harta Karun Nasional Kofukuji, Nara

Di dalam pekarangan kuil Kofukuji di bekas ibu kota Jepang, Nara 45 menit ke selatan Kyoto dengan kereta api Museum Harta Karun Nasional Kofukuji berisi koleksi karya seni Buddhis yang luar biasa termasuk patung, buku, lukisan, lonceng kuil, dan peralatan ritual. Karya tertua berasal dari periode Asuka (538-710 M) sekitar waktu pendirian kuil pada tahun 669 dan banyak bagian dalam koleksi ditetapkan sebagai Harta Karun Nasional atau Properti Budaya Penting.

Taman Seni Sapporo, Hokkaido

Sapporo adalah kota terbesar di pulau Hokkaido utara Jepang, dan museumnya yang menonjol adalah Taman Seni Sapporo, satu jam ke selatan kota dengan kereta api dan bus. Taman yang rindang adalah rumah bagi Museum Seni Sapporo, yang memamerkan seniman yang memiliki ikatan kuat dengan Hokkaido, dan Taman Patung Sapporo, rumah bagi 74 patung, masing-masing dirancang untuk melengkapi suasana luar ruangannya. Meskipun taman hanya buka dari bulan April hingga November, Anda dapat menjelajahi pekarangan dengan sepatu salju di musim.

Museum Sumida Hokusai, Tokyo

Beberapa seniman Jepang menangkap imajinasi serta Hokusai. The ukiyo-e (woodblock cetak) seniman yang paling terkenal untuk The Great Gelombang Off Kanagawa dan Red Fuji, dua dari seri berjudul Tiga puluh Enam Pemandangan Gunung Fuji.

Museum Sumida Hokusai, di timur Tokyo, didedikasikan untuk seniman, dengan galeri permanen cetakan Hokusai dan pameran sementara yang memperkenalkan lebih banyak variasi karya seniman. Meskipun seni berasal dari abad ke-18 dan 19, bangunan museum adalah contoh arsitektur modern yang menakjubkan, dirancang oleh arsitek terkenal Kazuyo Sejima.

Museum Seni Terbaik Di Jepang

Museum Seni Kota Toyota, Aichi

Arsitek Yoshio Taniguchi, yang paling terkenal karena merancang museum Moma di New York, adalah perancang utama Museum Seni Kota Toyota, yang menampung koleksi internasional karya abad ke-20 dan pilihan pameran khusus yang bergilir.

Bangunan museum yang mencolok dilengkapi dengan taman yang dirancang oleh seniman lanskap terkenal AS Peter Walker, seorang mahasiswa Hideo Sasaki.

Tempat terbaik untuk melihat museum adalah dari kolam lantai dua; kunjungi saat senja untuk melihat museum dan cahayanya yang dipantulkan oleh air Toyota terletak 30km tenggara Nagoya.…

Memberi Cahaya Baru Pada Seniman Radikal Pascaperang Dari Jepang

Memberi Cahaya Baru Pada Seniman Radikal Pascaperang Dari Jepang – Galeri menarik perhatian sejumlah perintis, di antaranya perempuan perintis, yang karyanya belum banyak ditampilkan.

Pameran seni internasional mungkin merupakan pusat perbelanjaan miliarder dan selebritas, tetapi mereka juga memberikan kesempatan yang sama dan langka bagi semua yang hadir untuk menghabiskan waktu dengan seni yang mungkin tidak terlihat lagi selama beberapa dekade dan untuk melihat sekilas sejarah yang, di beberapa tempat, masih kurang dieksplorasi.

Memberi Cahaya Baru Pada Seniman Radikal Pascaperang Dari Jepang

Bahkan dengan peserta pameran yang lebih sedikit tahun ini, Art Basel Hong Kong menawarkan sejumlah jalan pintas yang bermanfaat bagi pengunjung lokal dan pemirsa jarak jauh untuk menjelajah saat berlangsung akhir pekan ini. idnplay

Di antaranya adalah seni radikal di Jepang pascaperang, saat para seniman menata ulang gaya dan teknik lokal sambil menggabungkan perkembangan avant-garde dari Eropa dan Amerika Serikat.

Mengambil bagian dalam pameran Basel untuk pertama kalinya, galeri Shibunkaku di Kyoto, Jepang, telah mengabdikan seluruh stannya untuk Shiryu Morita (1912-98), yang mendorong kaligrafi ke ranah seni kontemporer eksperimental.

Dia menyikat karakter ke dalam abstraksi gestural yang kuat, menggunakan bahan yang tidak ortodoks seperti cat metalik dan bekerja di depan penonton langsung.

“Ide inti dari teori kaligrafinya, saya pikir, adalah meditasi Zen, untuk mencapai keadaan tertinggi dari ketiadaan mutlak,” Sae Ryo, seorang peneliti di galeri, mengatakan dalam sebuah wawancara video.

Untuk mempromosikan praktik berpikir bebasnya, Mr. Morita menerbitkan sebuah jurnal berjudul Bokubi (Keindahan Tinta), yang didistribusikan secara internasional; ikut mendirikan kolektif seniman Bokujinkai pada tahun 1952; berhubungan dengan rekan-rekan yang jauh seperti pelukis Amerika Franz Kline dan seniman Prancis Pierre Soulages; dan mendemonstrasikan karyanya di luar negeri, menarik beberapa pendukung asing.

Namun, “sejarah modernisme sebagian besar tetap Eurosentris,” kata Ms. Ryo, dan sementara penghargaan internasional untuk Mr. Morita telah meningkat dalam beberapa tahun terakhir, ia belum dipamerkan secara luas di luar tanah airnya.

Hal yang sama juga terjadi pada Saori Akutagawa (1924-66) dan Yuki Katsura (1913-91), seniman perempuan perintis yang aktif dalam kancah seni pelopor yang didominasi laki-laki Jepang setelah perang, dan yang seninya memenuhi stan Galeri Nukaga, yang memiliki lokasi di Tokyo, Osaka dan London.

“Kita harus membuat pasar yang lebih kuat untuk seniman perempuan,” kata Kotaro Nukaga, pemilik galeri, tentang tujuannya untuk stan, yang merupakan yang terbaru dari jumlah di mana ia hanya menampilkan seniman perempuan Jepang. “Apa yang kami lakukan sangat penting untuk mencerahkan kolektor,” katanya.

Pada tahun 1950-an, Ms. Akutagawa membuat lukisan-lukisan yang berani tentang makhluk-makhluk dan bentuk-bentuk abstrak yang mengerikan tetapi anehnya karismatik, karyanya muncul bersamaan dengan karya-karya raksasa masa depan seperti On Kawara dan Yayoi Kusama. (Nona Kusama adalah salah satu dari sedikit wanita Jepang pada zaman itu yang mendapatkan ketenaran luas.)

Akutagawa pindah ke Amerika Serikat pada tahun 1959 untuk belajar seni, kemudian kembali ke Jepang pada tahun 1962. Pada usia 42, dia meninggal karena pre-eklampsia, komplikasi hipertensi kehamilan, kata galeri.

Ms. Katsura, pada bagiannya, membuat kolase inventif mulai tahun 1930-an, menggabungkan petak kain, gabus, dan bagian dari sapuan kuas yang sangat detail. Dia juga bepergian secara luas pada 1950-an, dan dalam karya selanjutnya menambahkan mata dan bagian tubuh lainnya ke abstraksinya, memberi mereka tampilan serangga, hewan, atau karikatur manusia.

Kedua seniman tersebut telah menjadi subjek retrospektif utama di museum-museum Jepang, meskipun pasar mereka terbatas bukan hanya karena jenis kelamin mereka tetapi juga karena mereka tidak bergabung dengan gerakan paling terkenal pada zaman itu dan mengadopsi gaya mereka, kata Nukaga.

Selama beberapa dekade terakhir, kurator dan dealer yang melihat di luar narasi modernisme yang berfokus pada Barat telah menyoroti kelompok-kelompok Jepang seperti Gutai, yang anggotanya pada 1950-an menyukai lukisan ekspresif, bahan tidak konvensional, dan pertunjukan menawan, seperti menerobos kertas dalam pengaturan galeri atau merangkak melalui lumpur.

Dunia seni juga memperhatikan Mono-ha, yang senimannya bekerja dengan bahan dan proses cadangan, mulai dari akhir 1960-an. Mereka telah menjadi bagian dari sejarah seni global yang sedang berkembang.

Di Art Basel, Galeri Kogure di Tokyo menampilkan patung-patung yang dibuat dengan bongkahan baja dan batu oleh Noboru Takayama, lahir pada tahun 1944, yang bekerja dengan gaya Mono-ha. Galeri Tokyo + BTAP, dari Tokyo dan Beijing, akan memiliki karya figur Mono-ha Kishio Suga (juga lahir pada tahun 1944) dan pelopor Gutai Yoshio Sekine (1922-85) dan Atsuko Tanaka (1935-2005), yang paling terkenal dengan “Gaun Listrik” 1956-nya, kostum tubuh dari lampu listrik.

Bisnis Pak Nukaga, yang didirikan oleh ayahnya pada tahun 1977, telah lama berfokus pada Impresionisme dan modernisme Eropa. Namun melihat pertunjukan Gutai 2012 di National Art Center, Tokyo, mengubah perjalanan karirnya sebagai art dealer.

Memberi Cahaya Baru Pada Seniman Radikal Pascaperang Dari Jepang

“Ketika saya masih sekolah dasar, saya pergi ke galerinya, dan setiap hari saya bisa melihat Picasso, Chagall, bahkan Andrew Wyeth,” kata Pak Nukaga tentang bisnis ayahnya. Sementara dia tahu tentang para seniman di pertunjukan Gutai, “Saya belajar kedalaman dan keragaman seni Jepang pascaperang melalui pameran itu,” katanya, dan dia segera memperluas perusahaan ke periode yang berantakan dan menggembirakan itu.

“Seni pascaperang Jepang bukan hanya Gutai atau Mono-ha atau Kusama,” kata Nukaga, menyebutkan beberapa nama yang paling terkenal. “Kami memiliki banyak artis. Beberapa dari mereka tidak baik” sebuah pernyataan yang pasti benar di mana-mana “tetapi beberapa dari mereka masih menunggu penilaian mereka yang sebenarnya.…

5 Seniman Kontemporer Jepang

5 Seniman Kontemporer Jepang – Adegan seni kontemporer Jepang sangat beragam, rumah bagi seniman perintis yang telah mengubah lanskap industri dalam skala global. Dari gerakan Superflat Takashi Murakami ke alam semesta polkadot Yayoi Kusama, hingga pendekatan kolaboratif dan performatif ke media visual dan penggunaan teknologi futuristik dalam praktik seni, kami menampilkan 5 seniman kontemporer Jepang yang wajib diketahui.

5 Seniman Kontemporer Jepang

Chiho Aoshima

Sebagai anggota dari perusahaan produksi seni Kaikai Kiki dan gerakan Superflat (keduanya didirikan oleh seniman legendaris Jepang Takashi Murakami), Chiho Aoshima terkenal karena makhluk dan lanskap urban popnya yang fantastis. Seorang otodidak yang mulai bekerja dengan seni grafis di pabrik Murakami, Aoshima menciptakan alam mimpi surealis yang dihuni oleh hantu, iblis, wanita muda, dan elemen alam. http://idnplay.sg-host.com/

Karya seninya biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas dengan bahan seperti kulit dan plastik, untuk tekstur. Pada tahun 2006, Aoshima memproduksi City Glow, Mountain Whisper di stasiun Gloucester Road di London sebagai bagian dari ‘Seni di Bawah Tanah’, mengubah 17 lengkungan platform berturut-turut menjadi lanskap ajaib yang secara bertahap bergeser dari siang ke malam, dari perkotaan ke pedesaan. Karya tersebut menggambarkan dunia utopis Aoshima di mana waktu ditangguhkan dan makhluk organik menyatu dengan benda mati.

Chiharu Shiota

Chiharu Shiota adalah seniman pertunjukan dan instalasi yang menciptakan instalasi visual berskala besar dan spesifik lokasi. Inti dari latihannya adalah tema ingatan dan pelupaan, mimpi dan kenyataan, masa lalu dan sekarang, dan konfrontasi kecemasan.

Karya-karyanya yang paling terkenal melibatkan jaring benang hitam yang tidak dapat ditembus yang membungkus berbagai benda rumah tangga, pribadi dan sehari-hari, seperti kursi tua, piano yang terbakar, gaun pengantin, dan terkadang artis itu sendiri.

Labyrinth of Memory (2012) terdiri dari serangkaian gaun yang diliputi oleh benang hitam yang ada di mana-mana. Gaun-gaun ini dipahami sebagai “kulit kedua”, baik membentuk dan menyempitkan tubuh. Kemahahadiran benang hitam dimaksudkan untuk menggambarkan dan menegakkan hubungan yang tepat ini.

Pada musim panas 2014, Shiota menginstalPerspectives (2004), dibuat dengan lebih dari 300 sepatu yang disumbangkan disertai dengan catatan tulisan tangan dari masing-masing donor, menceritakan satu memori pribadi.

Shiota kemudian menghubungkan sepatu itu dengan untaian benang merah, masing-masing digantung pada kait yang sama. Shiota mewakili Jepang di Venice Biennale ke-56 pada tahun 2015, dan pameran pertamanya di Blain Southern, Berlin, yang dibuka selama Berlin Art Week pada tahun 2016, menimbulkan sensasi.

Ei Arakawa

Ei Arakawa terinspirasi oleh keadaan perubahan, periode ketidakstabilan, kecelakaan bahagia, dan elemen risiko. Karya pertunjukan dan instalasinya melibatkan tema kolektivitas, persahabatan, simultanitas dan improvisasi. Karya Arakawa hampir selalu kolaboratif, dan melibatkan elemen seni dari tontonan sosial dari produksi hingga penghancuran.

Kepekaan artistiknya diinformasikan oleh kondisi performatif, tak tentu, ‘di mana-mana-tetapi-tidak-di mana-mana’. Karyanya muncul di tempat-tempat tak terduga secara internasional, berkembang biak melalui proses kolaboratif.

Pada tahun 2013, karyanya dipamerkan di ‘ Kamikaze Loggia’ (Georgian Pavilion) di Venice Biennale, dan dalam survei seni kontemporer Jepang bertajuk ‘ Roppongi Crossing ‘ di Mori Art Museum.

Instalasi nyaHawaiian Presence (2014) adalah proyek kolaborasi dengan artis yang berbasis di New York, Carissa Rodriguez untuk Whitney Biennial 2014. Di Frieze London pada tahun 2014, Arakawa dan saudaranya Tomoo bekerja sebagai duo dengan nama United Brothers mempersembahkan karya pertunjukan berjudul Apakah Sup Ini Rasanya Ambivalen? di mana pasangan itu menawarkan sup kepada pengunjung, konon dibuat dengan akar daikon ‘radioaktif’ Fukushima.

Koki Tanaka

Deutsche Bank 2015 Artist of the Year Pendekatan visual Koki Tanaka mengeksplorasi komunitas dan berbagi pengalaman kreativitas dan imajinasi, mendorong pertukaran di antara para peserta sambil mengadvokasi aturan baru dalam kolaborasi.

Instalasinya di Paviliun Jepang Venice Biennale 2013 terdiri dari video dengan objek yang mengubah paviliun menjadi platform untuk berbagi artistik. Video dan instalasi Tanaka menyelidiki hubungan antara objek dan tindakan, merekam gerakan sederhana yang dilakukan dengan barang sehari-hari seperti pisau memotong sayuran, bir yang dituangkan ke dalam gelas, dan pembukaan payung.

Tidak ada hal besar yang terjadi dalam video ini, namun pengulangan kompulsif dan perhatian terhadap detail kecil memaksa pemirsa untuk menghargai hal-hal biasa.

5 Seniman Kontemporer Jepang

Mariko Mori

Mariko Mori menciptakan karya multimedia dalam video, fotografi, media baru dan seni instalasi. Dia mengekspresikan visi minimalis dan futuristik melalui bentuk yang ramping dan surealis. Tema yang berulang dalam karya Mori adalah penjajaran mitologi Timur dengan budaya Barat, seperti yang terlihat dalam gambar berlapis digitalnya.

Mori menjadi terkenal dengan Wave UFO, yang memulai debutnya di Kunsthaus Bregenz, Austria, pada tahun 2003. Selanjutnya, karya ini melakukan perjalanan ke New York dan kemudian dimasukkan dalam Venice Biennale 2005. Pada tahun 2010, Mori mendirikan Yayasan Faou, sebuah organisasi nirlaba pendidikan dan budaya di mana ia mendedikasikan serangkaian instalasi seni permanennya yang harmonis dan spesifik lokasi untuk menghormati enam benua yang dapat dihuni. Baru-baru ini, instalasi permanen Yayasan Faou berjudul Ring: One With Nature telah dipasang di atas air terjun yang indah di Visconde Mauá di Resende, tidak jauh dari Rio de Janeiro.…

5 Seniman Jepang Yang Membentuk Seni Kontemporer

5 Seniman Jepang Yang Membentuk Seni Kontemporer – Dibandingkan dengan seniman di negara tetangga Asia, seniman Jepang, sering dikatakan, cenderung mengembangkan kreativitas mereka dalam ekosistem tertutup (dan relatif lebih kecil). Bekerja di bawah penindasan dan stagnasi sosial, seniman Jepang telah mengembangkan adegan seni yang khas di seluruh negeri.

5 Seniman Jepang Yang Membentuk Seni Kontemporer

Sementara seni rupa kontemporer Jepang terutama dari masa pascaperang telah menarik perhatian dunia dan telah diteliti dan dikontekstualisasikan dalam sejarah seni rupa global dan pameran internasional, tampaknya narasi yang ada saat ini masih terbatas. ceme online

Sorotan sering ditempatkan hanya pada enam “artis bintang” Yayoi Kusama, Lee Ufan, Tatsuo Miyajima, Takashi Murakami, Yoshitomo Nara, dan Hiroshi Sugimoto yang sukses secara internasional (dan saat ini sedang dirayakan dalam sebuah pertunjukan di Mori Art Museum di Tokyo).

Oleh karena itu, daftar berikut, meskipun masih gagal untuk mencakup banyak praktik artistik terkemuka, dimaksudkan untuk menggambarkan aliran seni kontemporer Jepang yang berbeda.

Sektor budaya di Jepang terpaksa berurusan dengan sensor laten ekspresi politik dan seksual. Demikian halnya dengan Aichi Triennale 2019 di Nagoya, yang membuka diskusi tentang isu-isu terkait gender di lembaga-lembaga, meskipun bagian dari pameran yang menampilkan karya-karya yang telah disensor oleh lembaga-lembaga publik, ditutup karena mereka referensi kritis terhadap sejarah imperialisme dan nasionalisme Jepang. Seniman Jepang juga harus menghadapi kekerasan dari kecenderungan revisionis dan amnesia sejarah dalam masyarakat homogen negara itu.

Sekarang lebih dari sebelumnya, seniman menyampaikan beban dan keinginan historis, ekonomi, dan sosial yang ada dalam masyarakat kontemporer. Dan mereka mempertanyakan identitas dan kondisi berlapis-lapis yang dibentuk oleh pertukaran transkultural, yang tidak terlihat dalam diskusi publik. 

Para seniman yang ditampilkan dalam daftar ini merefleksikan kondisi khusus ini dan memunculkan gambaran yang lebih besar tentang fluiditas budaya dan artistik. Mereka dihargai karena pendekatan inovatif mereka terhadap representasi budaya dan metodologi artistik mereka.

Yurie Nagashima

Sebagai seorang fotografer, seniman, dan penulis, Yurie Nagashima telah menggambarkan dirinya dan kerabatnya, menempatkan konsep keluarga sebagai inti karyanya. Potret diri awal dan kerabatnya yang telanjang yang mempertanyakan peran dan fungsi yang dilakukan oleh anggota keluarga menjadikannya tokoh utama sekelompok fotografer wanita yang mendokumentasikan kehidupan sehari-hari melalui potret dan ketelanjangan pada pertengahan 1990-an.

Praktik Nagashima telah berkembang menjadi karya lintas generasi dan kolaboratif, yang melibatkan ibu dan neneknya. Karya-karya semacam itu menjelaskan pekerjaan tak kasat mata perempuan di rumah, sambil mencerminkan sejarah subjeknya.

Tulisan Nagashima tidak terlepas dari latihannya; bukunya yang baru diterbitkan From They Onnanoko Shashin To Our Girly Photo (2020) mengkritik pandangan laki-laki heteronom Jepang dan menceritakan pergerakan fotografer perempuan dari perspektif feminis. Karyanya sangat mendesak dalam wacana budaya Jepang, yang masih jauh di belakang perdebatan internasional tentang isu-isu terkait gender.

Yasumasa Morimura

Sejak awal 1980-an, Yasumasa Morimura telah mengubah dirinya menjadi subjek terkenal dari sejarah dengan alat peraga yang luas, kostum, riasan, dan baru-baru ini, manipulasi digital. Dia menghasilkan rekreasi luar biasa dan satir dari gambar ikonik, seringkali dari kanon sejarah seni Barat, serta potret selebriti dan tokoh politik masyarakat Jepang pascaperang.

Potret-potret diri ini menantang dan menumbangkan kode kaku tubuh, identitas, dan hasrat dengan melibatkan sejumlah gambaran dan isu yang membingungkan seputar ras, seksualitas, dan gender.

Sementara merenungkan penyerapan kompleks budaya Barat Jepang, Morimura telah menjelajahi keadaan tidak jelas menjadi diri sendiri dengan menggunakan tubuhnya, tubuh laki-laki Asia, yang telah terpinggirkan dan feminin berbeda dengan maskulinitas Barat. Dalam lingkup tradisional potret diri, praktiknya terungkap secara temporal, terlibat dengan masa lalu, tetapi juga menyeret efek sejarah ke dalam budaya kontemporer.

Chikako Yamashiro

Praktik artistik Chikako Yamashiro memperkuat ruang transkultural dan politik di negara asalnya, Okinawa. Karya-karyanya berpusat pada kompleksitas catatan sejarah dominan pendudukan Jepang dan Amerika di pulau itu. Pada saat yang sama, ia menekankan aspek-aspek baru dari realitas kontemporer Okinawa dan kehidupan penduduk asli.

Meski terkadang menggunakan tubuhnya sendiri dalam pertunjukan dan video, instalasi imersifnya mendramatisir kolonialisme historis, globalisasi, dan eksploitasi sumber daya alam. Subyek tersebut bersinggungan dengan isu-isu etnis, gender, seksualitas, dan identitas yang dibudidayakan dan diinternalisasi oleh catatan sejarah.

Yamashiro menyampaikan kenangan politik dan subversif geopolitik Okinawa dan sekitarnya di Asia Timur. Instalasi videonya sering menggunakan sejarah, alam, dan mitologi pulau yang menghantui di samping performativitas sensual dari cerita rakyat lisan untuk secara lucu mengundang pelupaan sejarah dan politik.

Meiro Koizumi

Karya video berbasis kinerja Meiro Koizumi mengeksplorasi hubungan antara bangsa dan masyarakat, serta kelompok dan individu. Dia sering membahas sejarah politik dan militer imperialisme Jepang dan dampaknya terhadap realitas budaya dan sosial saat ini.

5 Seniman Jepang Yang Membentuk Seni Kontemporer

Melalui pengulangan, gangguan, dan manipulasi atau close-up tindakan tertentu, karya-karyanya membangkitkan ketegangan dan emosi intens yang menumpuk di antara tubuh pelaku, dan juga penonton. Terkadang, ia mengeksplorasi nuansa kenyamanan dengan menempatkan pemain dalam situasi canggung dan terkadang menyakitkan.

Dinamika kejam dari praktiknya, yang agak bergema dengan masyarakat Jepang kontemporer, meruntuhkan citra dangkal kehidupan sehari-hari. Karyanya mencakup tema kepahlawanan dan pengorbanan diri untuk identitas nasional kolektif, sehingga menunjukkan hubungan dan ideologi yang berbeda dan berlapis-lapis yang ada berdampingan di bawah “masa damai” jiwa pascaperang Jepang.…

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan – Kata Jepang ” hikikomori ” diterjemahkan menjadi “menarik ke dalam”. Istilah ini diciptakan pada tahun 1998 oleh psikiater Jepang Profesor Tamaki Saito untuk menggambarkan fenomena sosial yang berkembang di kalangan anak muda yang, merasakan tekanan ekstrim untuk berhasil di sekolah, pekerjaan dan kehidupan sosial mereka dan takut gagal, memutuskan untuk menarik diri dari masyarakat.

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Pada saat itu, diperkirakan sekitar satu juta orang memilih untuk tidak meninggalkan rumah mereka atau berinteraksi dengan orang lain setidaknya selama enam bulan, beberapa selama bertahun-tahun. Sekarang diperkirakan sekitar 1,2% dari populasi Jepang adalah hikikomori. bandar ceme

Ketika tren ini diidentifikasi pada pertengahan 90-an, itu digunakan untuk menggambarkan pertapa laki-laki muda. Namun, penelitian menunjukkan bahwa ada peningkatan jumlah hikikomori paruh baya. Selain itu, banyak hikikomori perempuan tidak diakui karena perempuan diharapkan untuk mengambil peran domestik dan penarikan mereka dari masyarakat dapat diabaikan.

Peneliti manga Jepang Ulrich Heinze dan Penelope Thomas menjelaskan bahwa, dalam beberapa tahun terakhir, telah terjadi perubahan halus dalam cara orang memahami fenomena hikikomori. Pergeseran ini dimanifestasikan melalui peningkatan kesadaran akan kompleksitas pengalaman hikikomori dalam media arus utama dan pengakuan terhadap tekanan sosial yang dapat menyebabkan penarikan sosial. Mereka menyarankan bahwa penolakan untuk menyesuaikan diri dengan “norma” sosial (seperti kemajuan karir, pernikahan dan menjadi orang tua) dapat dipahami sebagai tindakan radikal dari introversi dan penemuan diri.

Sejalan dengan perubahan citra ini, beberapa hikikomori memiliki kehidupan kreatif yang kaya dan ini dapat menopang hubungan manusia yang vital. Banyak orang sekarang hidup dalam isolasi wajib karena COVID-19. 

Meskipun ini tidak sama dengan menjadi hikikomori, kita dapat belajar dari berbagai cara yang berbeda di mana orang-orang ini telah menavigasi, atau masih menavigasi melalui, pengalaman isolasi.

Bekas Luka Yang Indah

Mantan artis hikikomori Atsushi Watanabe menjelaskan bahwa isolasi tiga tahunnya dimulai melalui “beberapa tahap penarikan dari hubungan manusia, yang mengakibatkan perasaan terisolasi sepenuhnya”. Pada satu titik, dia tetap di tempat tidur selama lebih dari tujuh bulan. Baru setelah dia mulai melihat dampak negatif penarikannya terhadap ibunya, dia dapat meninggalkan kamarnya dan terhubung kembali dengan dunia.

Ceritakan bekas luka emosional Anda adalah proyek kreatif berkelanjutan dari Watanabe. Dalam proyek ini, orang dapat mengirimkan pesan anonim di situs web, berbagi pengalaman rasa sakit emosional. Watanabe menerjemahkan pesan-pesan tersebut ke dalam lempengan beton, yang kemudian dia pecahkan dan disatukan kembali menggunakan seni kintsugi tradisional Jepang.

Kinstugi melibatkan penyambungan pecahan keramik menggunakan pernis yang dicampur dengan bubuk emas. Ini juga merupakan filosofi yang menekankan seni ketahanan. Kehancuran bukanlah akhir dari suatu objek atau sesuatu yang disembunyikan, tetapi suatu hal yang harus dirayakan sebagai bagian dari sejarah objek tersebut.

Beritahu saya bekas luka emosional Anda dapat dipahami sebagai sublimasi dari rasa sakit emosional ini menyampaikan perasaan negatif dan asosial melalui proses yang dapat diterima secara sosial, positif dan indah. Karya-karya ini merupakan bukti penderitaan, tetapi karya yang merayakan kemungkinan penyembuhan dan transformasi.

Bagi Watanabe, menjadi hikikomori seringkali merupakan manifestasi dari luka emosional, dan dia ingin menciptakan cara alternatif untuk memahami pengalaman masa lalu yang belum terselesaikan. Watanabe meminta kita untuk “mendengarkan suara gemetar yang biasanya tidak terdengar”. Mendengarkan, dan berbagi pengalaman kesulitan dan bahkan rasa sakit adalah salah satu cara untuk mengatasi meningkatnya kesepian yang diakibatkan oleh pandemi COVID-19.

Berjuang Untuk Privasi

Artis Nito Souji menjadi seorang hikikomori karena dia ingin menghabiskan waktunya melakukan “hanya hal-hal yang bermanfaat”. Souji telah menghabiskan sepuluh tahun dalam isolasi mengembangkan praktik kreatifnya, yang mengarah ke video game yang mengeksplorasi pengalaman hikikomori.

Trailer untuk video game Pull Stay dibuka dengan adegan di mana tiga orang masuk ke rumah seorang hikikomori. Pemain harus melawan penyusup sebagai alter-ego robot hikikomori dengan, misalnya, menggorengnya dalam adonan tempura atau menembakkan melon air ke arah mereka.

Tujuan dari Pull Stay adalah untuk melindungi rumah dan pengasingan karakter hikikomori. Dengan melakukan itu, pemain mulai mewujudkan kebutuhan mendalam akan privasi. Pull Stay adalah bukti hasil kreatif yang bisa dating dari mengukir rasa “ruang kepala” yang mendalam. Souji menjelaskan proses kreatifnya sebagai, “memiliki harapan dan membuat sedikit kemajuan setiap hari.”

Meskipun memilih untuk menarik diri dari masyarakat, mempertahankan harapan dan koneksi tidak langsung melalui praktik kreatif telah membantu seniman seperti Souji menggunakan waktu ini untuk pengembangan diri. Tujuannya adalah, dan selalu, untuk dapat masuk kembali ke masyarakat, tetapi dengan caranya sendiri.

Seniman Hikikomori: Bagaimana Para Pertapa Ekstrem Jepang Menemukan Kreativitas Dan Penemuan Diri Dalam Keterasingan

Terkenal pengusaha Jepang Kazumi Ieiri, dirinya pertapa pulih yang menjadikan para hikikomori pengalaman sebagai “situasi di mana simpul adalah mengikat antara Anda dan masyarakat.” Namun lanjutnya, tidak perlu terburu-buru untuk mengikat kembali ikatan social, melainkan “mengikat simpul-simpul kecil, sedikit demi sedikit.”

Proses kembali ke “kehidupan normal” mungkin bertahap bagi banyak dari kita, tetapi ekspresi kreatif bisa menjadi cara yang ampuh untuk berbagi pengalaman isolasi dan terhubung kembali dengan orang lain di dalam dan di luar penguncian.…

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang – Berjudul “Vortex,” lukisan seniman Jepang Miwako Sakauchi menunjukkan ‘kemarahan, ketakutan, rasa kontradiksi dan kekerasan negara’ atas penduduk yang digusur dan pohon-pohon yang ditebang sehingga stadion Olimpiade yang sangat besar dapat dibangun.

Seniman Jepang Miwako Sakauchi berbicara tentang karya seninya untuk Pameran Seni “Deklarasi akhir pertandingan Olimpiade” di Chiba dekat Tokyo Kamis, 10 Juni 2021. Jajak pendapat menemukan bahwa mayoritas orang Jepang skeptis terhadap Olimpiade Tokyo yang diadakan ini musim panas selama pandemi, tetapi hanya sedikit yang secara terbuka berbaris untuk memprotes. Tetapi ada proyek kreatif yang ingin memprotes Olimpiade Tokyo yang semakin tidak populer, bahkan ketika pihak berwenang berusaha untuk menutupnya. poker idn

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Miwako Sakauchi berdiri di studionya dan menyikat putaran yang berputar di atas karton robek dan kertas gambar, menggunakan lima warna yang ditetapkan sebagai simbol Olimpiade modern.

“Saya tidak bisa menganggapnya sebagai festival perdamaian dalam situasi ini. Ini benar-benar tidak masuk akal.”

Publik Jepang sebagian besar menentang penyelenggaraan Olimpiade Tokyo bulan depan selama pandemi, jajak pendapat menunjukkan, meskipun perbedaan pendapat di luar seperti protes kecil.

Salah satu outlet yang kurang dikenal di mana orang telah mengungkapkan rasa frustrasi dan ketakutan mereka atas Olimpiade adalah seni.

T-shirt, gambar dan karya seni lainnya telah menjadi bentuk protes atas keputusan untuk mengadakan Olimpiade melawan saran medis dan tentangan publik. Pejabat telah menanggapi dalam beberapa kasus dengan menuntut seni dan barang dagangan satir kadang-kadang dihapus, dan para seniman mengatakan kebebasan mereka sedang dibatasi.

“Yang bisa saya lakukan daripada protes adalah menggunakan keahlian saya di bidang seni,” kata Sakauchi tentang motivasinya memproduksi lukisan. Dia tidak pernah berpartisipasi dalam protes jalanan atau memasukkan isu-isu politik ke dalam lukisan abstraknya di masa lalu, tetapi Olimpiade Tokyo telah menjadi titik kritis.

Risiko infeksi virus mungkin telah mencegah orang-orang yang skeptis turun ke jalan untuk mengungkapkan rasa frustrasi mereka. Tidak seperti di Rio de Janeiro di mana, pada tahun 2016, ribuan orang berbaris selama berminggu-minggu menentang Olimpiade Musim Panas terakhir, protes baru-baru ini di Jepang paling banyak menarik puluhan orang.

Sakauchi menciptakan lukisan-lukisan itu setelah dia dihubungi oleh sekelompok seniman yang menyelenggarakan pameran seni anti-Olimpiade musim panas lalu. Karya-karyanya ditampilkan dalam pameran lain di bulan Februari.

Kai Koyama, penyelenggara utama pameran, mengatakan adalah tugas profesionalnya untuk memprotes, meskipun dia tahu banyak orang Jepang ragu-ragu untuk secara terbuka menunjukkan pendapat mereka.

“Kami seniman. Kami tidak akan ada jika kami tidak mengekspresikan diri kami,” kata Koyama, 45, kepada The Associated Press dalam sebuah wawancara. Lebih dari 20 seniman telah berkumpul untuk proyek ini.

Artis lain yang bergabung dalam pameran anti-Olimpiade adalah Sachihiro Ochi, 52, seorang pekerja sosial dan dokter di sebuah klinik dekat Stadion Yokohama, yang akan menjadi tuan rumah pertandingan bisbol dan softball Olimpiade. Dia mengatakan Tokyo dan Yokohama, kota terbesar di negara itu, telah memperketat kebijakan mereka terhadap para tunawisma karena Olimpiade. Ruang publik yang dulunya terbuka kini tertutup kerucut dan rintangan warna-warni, katanya.

Ochi telah mencoba menggambarkan perpindahan itu, bersama dengan motif satir, dalam lukisannya tentang maraton dan stadion nasional.

“Ada orang yang kehilangan pekerjaan dan tempat tinggal selama pandemi,” kata Ochi.

Beberapa pencipta seni anti-Olimpiade mengatakan kebebasan berekspresi mereka telah sempit meskipun perasaan mereka sejalan dengan meningkatnya ketidaksetujuan publik terhadap permainan tersebut.

Sebelum pandemi, desainer Susumu Kikutake membuat parodi kaos anti-Olimpiade karena skandal suap dan plagiarisme seputar acara Tokyo. Komentar online sangat keras dan dia hanya menjual sekitar 10 kemeja sebulan.

Tetapi di tengah gelombang virus baru-baru ini dan meningkatnya kekhawatiran publik, pemilik toko baju P&M di Tokyo mengatakan permintaan telah melonjak. Penjualan mencapai 100 kemeja di bulan April dan 250 di bulan Mei.

Kikutake mengatakan lonjakan tersebut mencerminkan kebencian publik terhadap keadaan darurat berkepanjangan yang dikeluarkan oleh pemerintah.

“Acara olahraga dan perjalanan sekolah anak-anak saya telah dibatalkan, dan kami terpaksa menerimanya tetapi mereka mengatakan mereka dapat mengadakan Olimpiade,” kata Kikutake.

“Ini benar-benar membuat saya kesal karena (perdana menteri) tidak menjelaskan mengapa mereka mengadakan Olimpiade, dan dia terus mengatakan itu akan aman dan terjamin’.”

Panitia penyelenggara Olimpiade Tokyo menuntut Kikutake menghentikan produksi kaus tersebut karena masalah hak cipta, katanya. Dia memulai dengan desain baru yang mencakup lebih sedikit cincin Olimpiade dan salah mengeja Tokyo sebagai “Okyo.”

Upaya serupa untuk menyindir Olimpiade Tokyo telah ditekan oleh panitia penyelenggara Tokyo 2020, dengan alasan pelanggaran hak cipta. Panitia penyelenggara mengatakan kepada AP bahwa melindungi kekayaan intelektual sangat penting bagi sponsor Olimpiade yang telah membayar biaya besar sebagai imbalan atas hak eksklusif untuk menggunakan simbol permainan. Itu menolak untuk mengomentari kasus-kasus tertentu.

Klub Koresponden Asing Jepang menghapus gambar parodi yang menggunakan logo Olimpiade Tokyo yang dikombinasikan dengan fitur virus corona dari situs web mereka setelah menerima permintaan penarikan dari panitia penyelenggara.

Seni Menjadi Bentuk Protes Terhadap Pembangunan Stadion Olimpiade Di Jepang

Koyama, penyelenggara pameran seni, merencanakan acara seni anti-Olimpiade ketiga akhir bulan depan, ketika upacara pembukaan Olimpiade dijadwalkan akan dimulai.

Tapi galeri waspada terhadap pameran subversif seperti miliknya, kata seniman itu. Salah satu yang setuju untuk menjadi tuan rumah pameran mundur setelah aktivis sayap kanan menargetkan ruang dengan truk pengeras suara menuntut pembatalan pameran lain yang mereka klaim tidak patriotik.

“Kebebasan berbicara akan dipadamkan karena Olimpiade Tokyo,” kata Koyama.…

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui – Seni Jepang adalah salah satu harta terbesar di dunia, tetapi juga sangat sulit untuk menemukan informasi terkini di internet.

Panduan pamungkas ini akan memperkenalkan aspek seni Jepang yang paling menginspirasi: dari lukisan silkscreen tertua yang masih ada, melalui cetakan balok kayu abad ke-18 yang megah, hingga seniman modern paling terkenal di Jepang, Yayoi Kusama.

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Seni diciptakan oleh manusia. Itu sebabnya, dalam menceritakan kisah-kisah ini, kami memperhatikan implikasi sosial dan politiknya. Melalui 8 bab yang baru diperbarui ini, Anda akan belajar, misalnya, mengapa alam selalu menjadi pusat gaya hidup orang Jepang, dan bagaimana era Edo menghasilkan beberapa lukisan wanita cantik yang paling indah. poker99

Dunia seni kontemporer Jepang penuh dengan inovasi dan kreativitas. Kami senang untuk berbagi dengan Anda beberapa seniman kontemporer yang paling cerdik, pengrajin wanita dan pria, yang seringkali tidak begitu terkenal secara internasional sebagaimana mestinya.

Asal Usul Seni Jepang

Gelombang Besar di Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) tidak diragukan lagi salah satu karya seni Jepang yang paling terkenal. Bukan kebetulan bahwa cetakan balok kayu yang sangat disukai ini bertema kekuatan alam yang luar biasa, dan di dalamnya terdapat Gunung Fuji yang megah.

Alam, dan khususnya pegunungan, telah menjadi subjek favorit seni Jepang sejak awal. Sebelum agama Buddha diperkenalkan dari China pada abad ke-6, agama yang sekarang dikenal sebagai Shinto adalah kepercayaan eksklusif orang Jepang.

Pada intinya, Shinto adalah penghormatan kepada kami, atau dewa, yang diyakini berada di fitur alam, seperti pohon, sungai, batu, dan gunung. Untuk mempelajari lebih lanjut tentang agama Shinto, lihat Apa itu Kuil Shinto!

Oleh karena itu, di Jepang, alam bukanlah subjek sekuler. Gambar pemandangan alam bukan hanya pemandangan, melainkan potret dunia suci, dan kami yang hidup di dalamnya. Sentralitas alam sepanjang sejarah seni Jepang bertahan hingga hari ini, lihat misalnya 5 Desain Taman Jepang Paling Otentik ini.

Pemujaan terhadap alam ini akan mengambil banyak lapisan makna baru dengan diperkenalkannya gaya seni Tiongkok bersama dengan banyak aspek lain dari budaya Tiongkok di sebagian besar milenium pertama.

Lukisan era Heian (794-1185) yang teliti ini adalah sablon sutra Jepang tertua yang masih ada, sebuah bentuk seni yang dikembangkan sendiri dari pendahulu Tiongkok (dan bertahan hingga hari ini, lihat di sini untuk Fitur Artistik Rumah Jepang). Gayanya dapat dikenali dari China, tetapi lanskapnya sendiri adalah Jepang. Lagipula artis itu mungkin tidak akan pernah ke China sendiri.

The terciptanya gaya seni Jepang independen, yang dikenal sebagai Yamato-e (secara harfiah gambar Jepang), mulai dengan cara ini: penggantian bertahap motif alami China dengan varietas homegrown lebih umum. Burung ekor panjang Jepang sering menggantikan phoenix China yang ada di mana-mana, misalnya, sementara pohon dan bunga lokal menggantikan spesies asing yang tidak dikenal. Salah satu hewan yang sering terlihat dalam seni Jepang adalah kitsune, atau rubah. Berikut adalah beberapa Hal Lain yang Harus Anda Ketahui tentang Rubah Inari dalam Cerita Rakyat Jepang!

Ketika hubungan langsung dengan China menghilang selama periode Heian, yamato-e menjadi pernyataan yang semakin disengaja tentang supremasi seni dan budaya Jepang. Zen, impor China lainnya, berkembang menjadi sistem filosofis yang ketat, yang mulai menandai semua bentuk seni tradisional Jepang. Untuk mempelajari lebih lanjut, lihat Apa itu Seni Zen? Sebuah Pengantar dalam 10 Mahakarya Jepang.

Para biksu Zen secara khusus menggunakan lukisan tinta, sumi-e, yang mencerminkan kesederhanaan dan pentingnya ruang kosong yang menjadi pusat seni dan agama. Salah satu master bentuk terbesar, Sesshu Toyo (1420-1506), mendemonstrasikan inovasi lukisan tinta Jepang di View of Ama no Hashidate, dengan melukis pemandangan pantai Jepang yang spektakuler dari pandangan mata burung. Sumi-e terus menjadi salah satu bentuk seni paling populer di Jepang. Anda dapat mencobanya sendiri dengan Panduan Cara Melukis dengan Tinta Jepang.

Mungkin tidak ada yang sehebat Gunung Fuji yang agung. Bentuk kerucut sempurna dari gunung berapi yang tertidur, dan ancaman nyata dari amarahnya yang mematikan, bergabung dalam entitas menakjubkan yang telah dipuja, dan dilukis selama berabad-abad. Anda dapat melihat beberapa contoh di Views of Mount Fuji: Woodblock Prints Demystified.

Seni Samurai

Orang-orang cenderung mengasosiasikan Jepang dengan prajurit samurai yang terhormat, tetapi banyak orang mungkin tidak menyadari bahwa para pejuang yang terampil ini dilatih lebih dari sekadar pertempuran.

Samurai (juga dikenal sebagai bushi) adalah kelas prajurit Jepang premodern masa kejayaannya selama periode Edo (1603-1867). Samurai menjalani hidup mereka sesuai dengan kode etik yang dibuat dengan hati-hati yang dikenal sebagai bushido (jalan prajurit).

Sebagai kasta tertinggi dalam hierarki sosial, samurai diharapkan berbudaya dan melek huruf selain kuat dan mematikan. Karena mereka melayani bangsawan kaya, yang sangat menghargai pengejaran artistik, prajurit samurai juga mengidealkan seni dan bercita-cita untuk menjadi terampil di dalamnya.

Samurai diharapkan mengikuti bu dan bun seni perang dan budaya. Bahkan ada ungkapan untuk gaya hidup ini, bunbu-ryodo, yang berarti seni sastra, seni militer, dua arah.

Maka, tidak mengherankan jika banyak samurai menggunakan kekayaan dan status mereka untuk menjadi penyair, seniman, kolektor, sponsor, atau semua hal di atas. Miyamoto Musashi (c. 1584-1645) adalah contoh sempurna dari pendekatan pria Renaisans ini dia adalah seorang pendekar pedang, ahli strategi, filsuf, pelukis, dan penulis sekaligus. Dia menulis Book of Five Rings yang terkenal, yang berpendapat bahwa seorang pejuang sejati menguasai banyak bentuk seni selain pedang, seperti minum teh, menulis, dan melukis.

Wanita juga bisa termasuk dalam kelas samurai. Terutama mereka melayani sebagai pasangan bagi para pejuang, tetapi mereka juga bisa berlatih dan bertarung sebagai pejuang itu sendiri. Pejuang wanita ini disebut onna-bugeisha.

Prajurit wanita biasanya hanya mengangkat senjata pada saat dibutuhkan, misalnya untuk membela rumah tangga mereka selama masa perang. Namun, beberapa berjuang penuh waktu dan menjadi terkenal dengan sendirinya.

Salah satu pejuang tersebut adalah Tomoe Gozen (c. 1157-1247), seorang onna-bugeisha yang diabadikan dalam The Tale of the Heike. Menurut epik, dia cantik dan kuat, memiliki kekuatan banyak, “seorang prajurit bernilai seribu, siap untuk menghadapi setan atau dewa.”

Meskipun keberadaannya dikaitkan dengan legenda belaka, para pejuang terinspirasi oleh keberaniannya dan dia telah menjadi subjek drama kabuki dan lukisan ukiyo-e yang tak terhitung jumlahnya.

Seni samurai yang berhubungan langsung dengan pertempuran meliputi desain dan pengerjaan baju zirah dan senjata. Pedang samurai, alat utama dan simbol bushi, terkenal karena keahliannya hingga hari ini. Katana kuat namun fleksibel, dengan bilah baja melengkung dengan ujung tombak tunggal yang tajam.

Untuk memisahkan pegangan dari bilahnya adalah tsuba, yang dikembangkan dari piringan logam biasa menjadi kanvas untuk beberapa pekerjaan logam yang paling rumit. Lambang keluarga, simbol keberuntungan, dan bahkan seluruh adegan dari mitos dan sastra diukir menjadi aksesori yang elegan ini.

Seni Jepang: Semua Yang Mungkin Tidak Anda Ketahui

Armor samurai sama-sama mengesankan dan rumit. Itu dibuat dengan tangan oleh ahli dan terbuat dari bahan yang kami anggap mewah, seperti pernis untuk tahan cuaca dan kulit (dan akhirnya renda sutra) untuk menghubungkan sisik individu.

Pelindung wajah juga merupakan seni yang rumit; Anda dapat membaca lebih lanjut di 10 Hal yang Mungkin Tidak Anda Ketahui Tentang Topeng Tradisional Jepang. Bahkan selama masa damai, samurai terus memakai atau menampilkan baju besi sebagai simbol status mereka.…

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan – Museum Seni Chichu terletak di pulau kecil Naoshima, di lepas pantai selatan Jepang, di distrik Kagawa, hanya dapat dicapai dengan feri.

Persilangan antara kesederhanaan Buddhis dan kebrutalan Modernis, dari pandangan udara Chichu tampak seperti serangkaian lubang beton berbentuk aneh yang dipotong menjadi bukit berumput yang landai.

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Arsiteknya, Tadao Ando, ​​dikenal karena penguasaannya yang luar biasa terhadap cahaya alami, dan berjalan melalui Chichu berarti memulai perjalanan penemuan di mana elemen yang paling diabaikan siang hari adalah mode transformasi dan objek keajaiban dalam haknya sendiri. idn poker

Bahkan sebelum social distancing, Chichu membatasi jumlah tiket yang terjual. Begitu masuk, ada batasan berapa banyak orang yang bisa berada di dalam ruangan tertentu dan terkadang, berapa lama Anda bisa menghabiskan waktu di sana. Tidak ada foto yang diizinkan, dan ketenangan dianjurkan.

Sebuah kanvas epik

Ada tiga seniman yang dipamerkan di Chichu, yang paling terkenal adalah Claude Monet dan kanvas epiknya, Water Lilies. Akuisisi “dekorasi agung” yang dilukis, luar biasa, ketika Monet berusia 70-an dan menderita katarak, adalah katalis utama untuk mendirikan museum.

Saya telah melihat lukisan dari seri ini bertahun-tahun sebelumnya, di Galeri Nasional yang mirip kamar mayat Inggris. Tapi di ruangan Chichu yang hangat dan bulat, cahaya matahari masuk dari jendela yang tinggi dan lonjong, lukisan-lukisan itu merupakan perpaduan yang menakjubkan dari bentuk, warna, dan penghormatan terhadap alam. Mereka menjadi hidup dengan cara yang tidak dapat ditingkatkan atau ditiru oleh teknologi tampilan, betapapun canggihnya.

Bangunan Ando secara organik berhubungan dengan karya seni dalam segala hal warna dinding, ubin di lantai, koridor gelap yang menghubungkan ruang di mana setiap pengalaman visual unik bukan karena “kelas dunia” tetapi karena hubungan yang dibina dengan pengunjung adalah pribadi. 

Buku Pegangan Chichu berbunyi: Untuk memberikan pemahaman yang lebih baik tentang karya dekoratif besar Monet dari perspektif kontemporer, kami memilih seniman Walter De Maria dan James Turrell. Keduanya disebut sebagai ‘seniman tanah’ untuk karya yang mereka ciptakan di daerah gurun yang luas dan pengaturan alam yang sunyi. Baik di luar, di dalam ruangan, atau di lingkungan sekitarnya, semua karya secara khusus ditujukan untuk ruang-ruang ini. Batas spasial antara dunia nyata dan seni kontemporer tidak jelas.

Galeri adalah kumpulan seni yang diatur menurut prinsip orang yang mendirikannya. Lebih dari teater atau gedung konser, di mana perubahan cepat dalam repertoar menciptakan semangat perubahan, mereka jarang kehilangan hubungan dengan filosofi yang mendasari pendiri mereka.

Semua seni mencerminkan momen di mana ia terjadi. Tapi galeri adalah titik kompas dari mana, sebagai masyarakat, kita mengambil sikap. MOMA, GOMA, Guggenheim, Bilbao, Pembangkit Tenaga Listrik, Pusat Pompidou, Pertapaan. Arti dari koleksi ini lebih besar dari real estat mereka.

Seni di tengah alam

Apa yang memunculkan visi seni Chichu yang kuat? Jawabannya tentu saja adalah visi hidup yang kuat; dari apa hidup kita bisa. Ando menulis:

Chichu dibuka sebagai museum dalam mengejar ‘situs untuk memikirkan kembali hubungan antara alam dan manusia’ pada Juli 2004. Pendirian museum adalah cara pribadi untuk menjawab dan mewujudkan pertanyaan yang saya sembunyikan selama bertahun-tahun ‘apa apakah itu berarti hidup dengan baik?’

Sesuai dengan namanya, chichu (bawah tanah), museum ini dibangun di bawah bukit yang sedikit lebih tinggi yang pernah dikembangkan sebagai dataran garam yang menghadap ke Laut Pedalaman Seto. Tanpa merusak pemandangan alam pulau yang indah dan berusaha menciptakan tempat untuk dialog pikiran, museum ini merupakan ekspresi dari keyakinan saya bahwa ‘seni harus ada di tengah alam’.

Kunjungan ke Chichu bukanlah pengalaman yang menentukan. Tidak ada pesan utama, seperti halnya dengan MONA atau Tate Modern, yang harus dikuatkan oleh pengunjung. Sebaliknya, ada cahaya, ruang, dan ketenangan.

Ada ruang untuk membiarkan indra terungkap, dan perluasan diri yang memungkinkan pikiran untuk menempati zona pemahaman yang berpotensi lebih besar. Tidak ada yang pintar tentang Chichu, dan gelar tersier dalam sejarah seni tidak diperlukan untuk menghargai apa yang ditawarkannya. Berjalan melalui gedung adalah pendidikan yang cukup.

Minus komentar dan kamera, diminta untuk membeli tiket murah sebelumnya, menunggu, diam, “dialog pikiran” yang dihasilkan terstruktur tetapi terbuka. Mungkin inilah yang dimaksud seniman ketika berbicara tentang “kebebasan dalam bentuk”.

Kebenaran, nilai, dan cara hidup alternatif adalah konsep yang saling terkait, bergantung satu sama lain. Ada kebenaran untuk mengunjungi koleksi Chichu yang juga diekspresikan dalam perabotan kayunya yang terbuat dari shioji, berbagai abu Jepang , halaman segitiganya yang aneh, dan pemandangan Laut Pedalaman Seto yang menakjubkan.

“Untuk mendapatkan kenikmatan maksimal dari karya-karya tersebut, pemirsa harus meluangkan waktu sejenak di antara setiap galeri untuk merenungkan sensasi yang tersisa sebelum beralih ke kelompok karya berikutnya”, kata buku pegangan itu.

Pulau Seni Di Jepang Chichu: Meditasi Dan Pendidikan

Kesadaran Buddhis Zen tentang kefanaan keberadaan menikah dengan bangunan publik berskala besar dalam tradisi demokrasi Barat untuk menghasilkan pertemuan spiritual yang bertujuan dan tidak diisi dengan konten dogmatis.

Jika ada sesuatu yang berharga di Museum Seni Chichu, saya tidak merasakannya. Itu adalah tempat yang santai, ditata dengan baik dan fungsional, agak seperti kereta Shinkansen Jepang yang membawa saya ke terminal feri. Meninggalkan, saya merasa lebih ringan, seolah-olah sesuatu yang tidak saya butuhkan telah dihapus secara diam-diam.…